Lá vem o Mala da Lista

Baile dos mascarados

2012-02-10T05:42:00.000-08:00

Virou tradição. O post de Carnaval do Mala da Lista já está para este blog como a Neosaldina para os foliões (dá vontade de colocar um link sobre a palavra “Neosaldina”, de tão fã que sou deste analgésico milagroso).
Em 2010 escancarou-se toda a nudez, castigada ou não, de algumas das capas de disco mais desinibidas da avenida; “Fechando na Prochaska” foi o samba-enredo do ano seguinte, homenageando o esplendor e a glória das melhores virilhas que, como luxuriantes carros abre-alas, estampam em encartes.
Para a terceira edição do baile carnavalesco, resolvi pegar leve, voltando às origens da ancestral festa pagã: as máscaras. De artigo de fetiche nos (ba)canais de Veneza a indumentária pornô em salões do litoral brasileiro, elas de certa forma ainda simbolizam o Carnaval, como a bunda de fora ou o Pedro Bial narrando breaco o desfile da “Caprichares de Pilosos” em 2000.
E claro que, por serem algo tão clássico, as máscaras foram parar também na cara de artistas dos mais extravagantes na hora de posarem para capas de discos. Algumas são históricas. Apreciem e não se esqueçam: ziriguidum, telecoteco.
*Não valem álbuns da banda Slipknot, mascarada supostamente 24 horas por dia, 365 dias ao ano.

10-The "You Know Who" Group – “The ‘You Know Who’ Group” (1965)

Grupo efêmero montado nos EUA para tentar imitar as bandas inglesas até no sotaque, chega a soar bem, mas com tão pouca autenticidade que os músicos tiveram que se disfarçar de Zorro.

9-Tricky – “Knowle West Boy” (2008)

Na alfândega entre o clima “Eyes Wide Shut” da foto lá de cima e a luta livre mexicana.

8-Eurythmics – “Touch” (1983)

O esgrima imaginário de Annie Lennox pedia adereços. E muita tinta no cabelo.

7-Björk – “Medúlla” (2004)

Não fica claro, mas me parece uma máscara feita com cabelo. O que seria bem bjorkiano.

6-Steve Miller Band – “The Joker” (1973)

Legal, mas não a ponto de figurar como a 83ª capa mais legal da história, como já disse a Rolling Stone.

5-Soft Cell – “The Art of Falling Apart” (1983)

O dramatismo da geração synthpop rendia muito exagero estético, mas também alguns belos momentos.

4-Joan Baez - Blowin’ Away (1977)

Se eu disser que não é a única capa com um artista usando máscara de aviador, periga que vocês não acreditem. Mas tanto é verdade que até renderia um top 5, cavocando bem. Com esta em primeiro lugar, claro.

3-John Cale – “Guts” – (1977)

“Oh, he’s a grumpy old man”, me disse minha amiga Sinéad sobre o ex-Velvet Underground, após emprestar-lhe backing vocals em show. Por “grumpy” entenda-se “ranzinza”, “rabugento”. O que não condiz muito com o senso de humor de Cale na década de 1970, quando combinar macacão Jedi com máscara do Jason, empunhando uma guitarra em Flying V, era apenas um detalhe. Só para quem tinha, é verdade, “guts”.

2-Ney Matogrosso – “Ney Matogrosso” (1975)

-Dêem-me um disco solo e eu serei capaz de tudo.

-Isso inclui se fantasiar de ave de rapina, com cobras e penachos saindo do sovaco?

-Claro.

-Contratado, Ney.

1-Captain Beefheart & The Magic Band – “Trout Mask Replica” (1969)

Para superar uma máscara cujo objetivo é emular um ou mais animais, só mesmo “vestindo” o próprio bicho. Caneco indiscutível para o truta Beefheart.

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10 razões para amar os anos 90

2012-01-26T06:31:00.000-08:00

Em “Eu Sabia que isso ainda ia acontecer”, primeiro texto que publiquei em minha extinta coluna Massa Sonora, no site da MTV, há exatos 10 anos e oito dias, eu me espantava com o então emergente revival oitentista. Também tentava desenvolver a teoria de domínio público segundo a qual cultua-se, misteriosamente, sempre duas décadas para trás. Eu sou prova viva: bailei twist nos 80, curti um funk setenteiro nos 90 e, embora ao escrever aquele texto ainda achava meio absurda a volta do synth pop e das ombreiras, não muito tempo mais tarde assumiria as baquetas do Jumbo Elektro.

Pois a tal teoria continua valendo. E ousaria acrescentar mais um argumento: é no ano “2” (o terceiro de um decênio, por tanto), que o resgate começa a pegar. Os sintomas vão além das camisas xadrez em coleções de moda, ou os rabos-de-cavalo e barbichas que andam crescendo nas redondezas. Por exemplo, o Primavera Sound, melhor festival de música de Barcelona (ocorre entre o fim de maio e o começo de junho), é destes que sempre puxa um cordão, antecipando modinhas.

E, se nas últimas edições já vinha oferecendo lapadas de britpop, grunge e trip-hop, para 2012 preparou uma verdadeira escalação-manifesto em homenagem aos anos 90, com Mazzy Star, Guided By Voices, Afghan Whigs, Mudhoney, Melvins, Björk, Yo La Tengo e outros. Até o Cure, um dos nomões do evento, celebrará os vinte anos de seu álbum “Wish”. Tributo semelhante ao que o Helmet – grupo noventeiro por excelência – fará com a pedrada “Meantime” em show previsto para março.

Será, admito, um revival fácil de abraçar. Foi nos 90 que minha geração passou da adolescência para a er... idade adulta, a época em que, para quem gosta de música, a cobra - tá bom, não só a cobra - começa a fumar. Sendo assim, só resta ao Mala da Lista relembrar aqui 10 razões musicais para amar, ou voltar a amar aqueles anos. Na forma de álbuns gringos que eu, você e todo mundo precisa (re) escutar. Acompanham clipes ou registros ao vivo da época, para a imersão estética ficar completa.

10-Faith No More – “Angel Dust” (1992)

Metal torto, quase cubista, para se ouvir em cabarés. Resultado do encontro de imaginação, humor e coragem com som pesado.

Se não fosse tão bom, quem entraria na lista: Nine Inch Nails - “Downward Spiral” (1994).

9- Public Enemy – “Fear of a Black Planet” (1990)

O elo perdido e abençoado entre o hip-hop mais naïve e a farofada gangsta era simples e mortal: batidas de James Brown, ruídos infernais, política e pau em todo mundo, de Hollywood a Elvis.

Se não fosse tão bom, quem entraria na lista: The Roots - “Things Fall Apart” (1999).

8-Beck – “Odelay” (1996)

Um muito de tudo misturado e mais um pouco. Ainda assim, de uma originalidade absurda.

Se não fosse tão bom, quem entraria na lista: DJ Shadow – “Entroducing...” (1996)

7-U2 – “Achtung Baby” (1991)

Na guilhotina da virada da década, ninguém teve tantos colhões para mudar quanto esta banda. Que, abraçando a malícia dançante e a auto-paródia psicodélica, continuou grandiosa.

Se não fosse tão bom, quem entraria na lista: Depeche Mode – “Violator” (1990).

6-Nirvana – “Nevermind” (1991)

Descontada a lenda, é uma espécie de disco-resumo do que foi a primeira metade da década.

Se não fosse tão bom, quem entraria na lista: Teenage Fanclub - “Bandwagonesque” (1991).

5-My Bloody Valentine – “Loveless” (1991)

A invenção das guitarras em 3D.

Se não fosse tão bom, quem entraria na lista: Sonic Youth – “Dirty” (1992)

4-Massive Attack – “Mezzanine” (1998)

Caso o mundo tivesse acabado mesmo em 31 de dezembro de 1999, a trilha sonora estava pronta. E teria sido bonito.

Se não fosse tão bom, quem entraria na lista: Portishead - “Dummy” (1994).

3-Radiohead – “OK Computer” (1997)

Atualização sonora das paranoias do final do milênio, que de quebra antecipou a década seguinte.

Se não fosse tão bom, quem entraria na lista: Tortoise - “TNT” (1998).

2-Red Hot Chili Peppers – “Blood Sugar Sex Magik” (1991)

O encontro da então melhor banda ao vivo do mundo com o produtor dos últimos 25 anos (Rick Rubin). Numa mansão assombrada em Hollywood.

Se não fosse tão bom, quem entraria na lista: Fishbone - “Give a Monkey a Brain... and He’ll Swear He’s the Center of the Universe" (1993).

1-Beastie Boys – “Check Your Head” (1992)

Tudo o que o hip-hop, ou a música em si, pode ser quando nas mãos de criadores geniais e desrespeitosos a barreiras de estilo.

Se não fosse tão bom, quem entraria na lista: Urban Dance Squad - “Life n’Perspectives of a Genuine Crossover” (1991).

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Liquidação total

2012-01-12T06:18:00.000-08:00

As liquidações espanholas, iniciadas esta semana, são mesmo tudo isso o que falam. É camisa de 5 euros para um lado, sapato de 15 para o outro. Sem exageros, refaz-se aqui um guarda-roupas com o que se gastaria em uma única peça em lojas metidas de São Paulo.

Por estas e por outras, as rebajas, ou rebaixes, em catalão (ou ainda “rebarbas”, como rebatizou involuntaria mas genialmente minha querida sogra Bia) acabam sendo uma atração turística por si só no bajón do inverno europeu. Verdadeiros “motivos para soltar rojões”, nas palavras de minha grande irmã Adriana neste post sobre o assunto em seu blog.

De tão humana, a ânsia consumista – seja com 50% desconto ou não – não passa despercebida por compositores, tampouco por criadores de encartes de discos. As canções ficam para outra lista; por hora visitamos as dez melhores capas que discutem/homenageiam/criticam o consumismo, ilustradas em lojas, mercados, produtos ou outras referências no contexto.

10-Barão Vermelho – “Puro Êxtase” (1998)

O que as pessoas não fazem quando bate a vergonha alheia (no caso da moça, pela tentativa de fazer música eletrônica do Barão).

9-The Small Faces – “Me, You and Us Too” (1999)

Fosse no Brasil, a capa desta coletânea dos ingleses empacaria nos tribunais. Ou a Ambev, dona da Pepsi, liberaria sua Skol para posar ao lado da Coca-Cola?

8-Beastie Boys – “Paul’s Boutique” (1989)

Inspirados em um anuncio que escutavam em uma mixtape de música jamaicana, Mike D, Ad-Rock e MCA quiseram criar uma loja com o mesmo nome, e que “vendesse” objetos que representassem o conceito (revolucionário) do álbum, um eclético saco de gatos de samples remendados. Mandaram fazer a placa “Paul’s Boutique” e usaram o bazar Lee’s Sportswear, no Lower East Side, de Nova York, na sessão de fotos comandada por Jeremy Shatan.

7-Gilberto Gil – “O Sol de Oslo” (1998)

Vale mais pelo carrinho de côcos em si do que sua ideia subentendida, a de tentar formar a bandeira do Brasil com as frutas.

6-Gruff Rhys – “Hotel Shampoo” (2011)

Não sei, mas esta coleção deve ter sido acumulada no tempo em que a banda de Rhys, o Super Furry Animals, subia ao palco vestida em enormes trajes de pelúcia. Nas emergências de palco – leia-se cusparadas, vômitos e latas de cervejas atiradas nos big bichanos – um xampuzinho guardado no bolso não ia nada mal.

5-Tom Zé – “Grande Liquidação” (1968)

Credita-se a uma certa Oficina Programação Visual SP esta capa que, como a música do gnomo de Irará, antecipava uma estética em algumas décadas.

4-Eli “Paperboy” Reed – “Come and Get It!” (2010)

A música do neo-soulman Reed é mais suja do que esta fotografia insinua. O que não influi em nada no quão bacana é a capa.

3-The S.O.S. Band – “The S.O.S. Band III” (1982)

Poderiam ter produzido uma estante menos fake, mas a linha de produtos S.O.S., a pinta do sujeito de espanador na mão e, principalmente, a pernuda de polainas contorcida no carrinho garantem a diversão visual.

2-Stevie Wonder – “Signed, Sealed & Delivered” (1970)

“Foi aqui que pediram um gênio cego da música afroamericana?”. Projeto de Curtis McNair, autor de capas de outros clássicos da Motown, como “What’s Going On” de Marvin Gaye e “Psychedelic Shack”, dos Temptations.

1-The Who – “The Who Sell Out” (1967)

David Montgomery, o fotógrafo responsável por esta portada eterna, admitiu anos depois que estava morrendo de medo do que a combinação The Who + ensaio envolvendo comida poderia gerar. Em 1967, a reputação da banda era possivelmente a pior de toda a fauna rock. Para sua perplexidade, porém, os quatro mods se comportaram bem. Segundo Montgomery, o vocalista Roger Daltrey quase pegou pneumonia depois da sessão, de tanto que permaneceu pacientemente na fria megafeijoada na qual mergulhou. A enorme lata Heinz depois viraria mesa da casa do fotógrafo.

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Eat it!

2011-12-28T03:22:00.000-08:00

Sempre achei especialmente curiosos os argumentos de clipes musicais baseados em artistas comendo. Em geral, estas produções vão além do arroz com feijão, gerando momentos de alta gastronomia visual.

Na semana entre o Natal e Réveillon – esta mesmo, a que corresponde ao apogeu de nossos excessos culinários durante o ano - o Mala da Lista preparou um cardápio especial para a Virada: um menu degustação com cinco vídeos estrelados por músicos glutões. Se não servirem para abrir o apetite, no mínimo emocionam ou arrancam gargalhadas.

Bom apetite.

5-Bjork – “Venus as a Boy” (1993)

Coube a Sophie Muller, diretora com mais de uma centena de videoclipes no currículo, transformar em fetiche não apenas a barriguinha de fora da gnoma do gelo, mas também o simples fritar um ovo. Frigideira em punho, a gnoma do gelo faz dengo, acaricia um lagarto e canta toda sonhadora sobre a fantástico arranjo “Bollywood” de Talvin Singh.

4-Blur – “There’s no Other Way” (1991)

Engana-se quem pensa que os almoços dominicais ingleses se resumem a fish and chips. No banquete da Família Blur há espaço para uma apetitosa torta com molho e almôndegas, otimistas prenúncios para a apoteose final: o tremelicante bolo de vários andares que, iluminado entrecortadamente no melhor estilo David Lynch, tem pinta de nave espacial.

3-Ramones – “I Wanna Be Sedated” (1979 – clipe de 1988)

Para promover a coletânea “Ramonesmania”, Bill Fishman, diretor de comédias televisivas de pouca repercussão, pediu aos Ramones que ficassem por algumas horas sentados, imóveis, em uma mesa de café da manhã. Dee Dee, sempre o mais cool, até lê um comic, enquanto vários enfermeiros, uma freira, um super-homem inflável e até mesmo um tocador de gaita de fole circulam com histeria ao redor dos quatro.

2-Asian Dub Foundation e Sinéad O’Connor – “1000 Mirrors” (2003)

O vídeo dirigido pelo francês Henri-Jean Debon é impactante. Convidada estrangeira a um jantar de uma família indiana, a norte-irlandesa Sinéad pede a palavra. E canta a terrível história da paquistanesa Tsoora Shah, condenada a vinte anos de prisão por envenenar e matar o segundo marido que, como o primeiro, a espancava e violentava, além de obrigá-la a se prostituir. No começo, os anfitriões – aos quais se incluem integrantes do ADF - não dão bola à carequinha, fingem não ouvi-la e até fazem boba coreografia. Após o primeiro refrão, porém, o clima “baixastraliza” e a mesa silencia, enquanto O’Connor questiona o calvário de Tsoora.

1-Weird Al Yancovic – “Eat It” (1984)

Não é à toa que quase todos os astros parodiados por Weird Al se dizem seus fãs (são raros os casos de gente que não autorizou suas sátiras). Michael Jackson, um dos principais alvos do humorista, até indicava os sets originais de seus clipes para que o célebre nerd de bigode e óculos pudesse utilizar. Foi o caso de “Eat It”, paródia do clássico “Beat It” que, além de contar com letra hilária (“You won't get no dessert 'till you clean off your plate/ So eat it” é apenas um aperitivo) e reproduzir quadro a quadro o vídeo de Michael, também foi fidelíssimo quanto a figurino, fotografia e o aspecto dos atores (não sei, mas creio que os principais foram os mesmos). Uma superprodução galhofeira que atinge seu clímax na famosa cena de luta entre gangues: os chefes dos bandos duelam “atados” por um frango de borracha.

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Japan Fever

2011-12-15T08:02:00.000-08:00

Se no Japão o próximo domingo é dia de celebrar o futebol-arte, com Messi e Neymar prometendo o embate mais ofensivo da história, aqui no Mala da Lista, direto da terra do Barça, é tempo de inverter os papéis, homenageando as “capas-arte” de discos com inspiração nipônica.

Lindas, elas atestam o fascínio do mundo pop pelo país do sol nascente.

*Não valem, claro, artistas japoneses; nem as dezenas de álbuns “Live in Japan”, “Live in Tokyo” ou os clássicos “Live at Budokan”; tampouco as infinitas edições especiais japonesas de qualquer disco.

10-Alphaville – “Big in Japan 1992 AD” (single – 1992)

Começamos pelo básico. De quando a banda alemã, não vendo mais alternativas de volta ao topo das paradas, remixou um de seus dois únicos hits.

9-Beat Culture – “Tokyo Dreamer” (2011)

Espécie de pós-trip-hop, pós-Lost in Translation. É mais ou menos assim o som deste grupo americano. E mais ou menos assim a capa.

8-Mogwai – “Young Team” (1997)

Dada a melancólica abstração instrumental do quinteto escocês, não faltariam suposições sobre a profundidade do que está escrito neste painel. Mas, em típica pegadinha do Mogwai, quer apenas dizer “Banco Fuji”.

7-Japan – “Adolescent Sex” (1978)

Entre o glam ao new romantic, tudo indica que a escala era no Japão.

6-Wayne Shorter – “Speak no Evil” (1965)

Perrrdeu, Yoko Ono. Você não foi a primeira esposa japonesa a se intrometer em capas de disco de músicos internacionalmente consagrados. Teruka Nakagami, primeira mulher de Wayne Shorter, é a verdadeira pioneira.

5-Antony & the Johnsons – “The Crying Light” (2009)

E por falar em pioneirismo, este cidadão aí na foto é Kazuo Ohno, falecido em 2010 aos 103 anos. A ele se atribui o desenvolvimento da hermética, cerebral e pitoresca dança performática japonesa conhecida como Butoh (ou Butô). O belo retrato é de 1977.

4-Steely Dan – “Aja” (1977)

Minimalismo e delicadeza são clichês usados para definir a “estética japonesa”. Pois aqui se aplicam, não?

3-Bjork – “Homogenic” (1997)

Alexander McQueen, estilista britânico que se suicidou no ano passado, foi o responsável por transformar Björk numa espécie de gueixa-fada, uma “guerreira do amor”, conforme lhe brifou a islandesa à época. O resultado ajudou a dar a cara lírica e emotiva que o conteúdo do álbum pedia.

2-Sparks – “Kimono My House” (1974)

Como disse o finado crítico musical Ian MacDonald, “a moça da esquerda está escutando ‘Kimono My House’ pela primeira vez”. Devia estar mesmo. Ô, disco estranho (e interessante).

1-Sigue Sigue Sputnik – “Flaunt It” (1986)

Pois já que tocamos no assunto, a minha cara foi uma mistura das expressões das duas gueixas do Sparks acima quando ouvi Sigue Sigue Sputnik em uma festinha de meu prédio nos anos 80. Quando me mostraram a capa, então... o que poderia ser mais legal do que uma banda que homenageia os heróis trash da TV japonesa, aqueles mesmos que assistíamos na Record (SBT?) em seus discos?

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5 não. 10 vezes Corinthians

2011-12-05T10:02:00.000-08:00

Tremula sobre a Calle Blai, artéria do bairro barcelonês do Poble Sec, a bandeira alvinegra do Corinthians.

Eu poderia teorizar sobre os mistérios que levam as conquistas do pentacampeão brasileiro a serem sempre tão sofridas, emotivas e neurotizadas pela superstição (jamais me aventuraria a deixar um post como este pronto antes do resultado, por exemplo). Algo que em 2011elevou-se à quinta potência com a morte de Sócrates no preciso dia da rodada final, e seu enterro simultâneo ao embate contra o Palmeiras.

Poderia chorar as pitangas de maloqueiro sofredor expatriado, condenado a atravessar madrugadas trocando erráticos SMSs com filiais da Fiel que vão de Valência a Dubai, à procura do link imperfeito. Que quase sempre resulta em imagens cruelmente pixeladas e lances visualizados em arrancos de cachorro atropelado. Na melhor das hipóteses, nos permitem assistir às partidas achando normal confundir Liedson com Willian.

Ou poderia, então, contar sobre quando todo este espírito de dramalhão mexicano entrou de forma irreversível em minha vida, no dia seguinte a uma reunião de pais na Pré-Escola, em 1985. Atropelando o protocolo, meu pai preferira deixar um bilhete - lido à classe pela professora diante de uivos generalizados e um pequeno mosqueteiro ruborizado - com os dizeres “VIVA O CORINTHIANS!!!”, a elogiar os meu desenhinhos, como fizeram todos os demais responsáveis.

Mas não. É dia de festejar sem muito blablablá, ao som de dez canções sobre o Coringão – duas para cada Brasileirão abocanhado -, ou com referências apaixonadas ao clube banhado pela Marginal Tietê (há algo mais corintiano do que isso?). Os melhores trechos das letras vêm em destaque. Só valem compositores “civis”, portanto excluem-se centenas de gritos de torcida – tipo “quem não for corintianuuuuuu, vá pra puuuuuta, que o pariu” -, nem os enredos da escola de samba Gaviões da Fiel. Também fica de fora o maravilhoso hino, sobre o qual ainda falaremos aqui.

Vai, Corinthians.

10-Jackson do Pandeiro – “Bola de Pé em Pé” (1981)

A música em princípio era sobre o Flamengo, mas o Rei do Ritmo não resistiu:

Em São Paulo eu sou Corinthians /Eu adoro o Timão

9-Negra Li e Rappin’ Hood – “Sou Corinthians” (2010)

No centenário, um verdadeiro beabá de guerreiros e suas proezas:

O gol de Viola/O chute de Basílio/ A classe do Doutor e a fé de Marcelinho

8-Xis – “Chapa o Côco” (2001)

Clássico, Timão contra us porco/ Eu vou pru estádio/ Na vitória na derrota eu to do mesmo lado

7- Demônios da Garoa – “Coríntia (Meu Amor é o Timão)” (???)

Adoniran Barbosa, o autor da canção, prestava também sensacional tributo à Zona Leste de São Paulo:

Como é bom ser alvinegro/ ontem, hoje e amanhã /Respirar o ar mistura /Do Tietê a Tatuapé

6-Branca de Neve – “Garra Corintiana” (1989)

Composta com um cidadão chamado Luiz Carlos Xuxu:

Vai, vai, vai/ São Jorge vai nos ajudar /Vai, vai, vai/ São Jorge também vai jogar

5-Rita Lee – “Amor em Preto e Branco” (1972)

Com Arnaldo Baptista, Rita desabafou sobre a tortura do jejum sem títulos:

Por que será que eu gosto de sofrer?/ Vai ver que agora eu dei pra masoquista /Meu amor branco e preto/ Às vezes me deixou na mão.

4-Paulinho Nogueira e Toquinho – “20 Anos de Espera” (1974)

Antes do “Vai Corinthians” houve o “Ai Corinthians” de quem espero 23 anos por um caneco:

Quantos domingos sombrios / Eu, eterno sonhador /Chegava em casa arrasado / Maltratava o meu grande amor

3-Gilberto Gil – “Corintiá” (1984)

Gil sabe o suficiente de futebol:

Ser corintiano é decidir/ Que todo ano a gente vai sofrer /Se enrolar no pano da bandeira/ E reclamar se o time não vencer

2-Sílvio Santos – “Transplante Corintiano” (1968)

É, tem sim algo mais corintiano do que a sede ser na Marginal Tietê: o Sílvio Santos cantando uma marchinha de carnaval sobre o time (composta por Ruth Amaral, Manoel Ferreira e Gentil Junior)

Doutor, eu não me engano / Meu coração corintiano

1-Toquinho – “Corinthians do Meu Coração” (1983)

Diretamente do navio do centenário. E salve-se quem puder:

Corinthians do meu coração / Tu és religião de janeiro a janeiro / Ser corintiano é ser além/ De ser ou não ser o primeiro

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El divorcio

2011-11-16T05:07:00.000-08:00

Os ex-indie sweethearts Kim Gordon e Thurston Moore (Foto: Life)

Não fui ao show do Sonic Youth no festival paulista SWU na última segunda-feira.

Mas pelos relatos de quem viu, a banda subiu ao palco em Paulínia com a mesma sensação dos jogadores que disputaram a Copa de 2006 pela seleção de Sérvia e Montenegro, um país que então já não existia (Montenegro se independentizara uma semana antes do torneio). Enfim, cumprindo tabela diante de um fim inevitável que se aproxima.

A razão para a “incerteza” sobre o seu futuro, como o próprio grupo novaiorquino define a atual situação, é a separação de Thurston Moore e Kim Gordon (o segundo melhor casal pop nesta lista aqui).

E dá para imaginar o quão awkward deve ter sido para a dupla, após 27 anos dividindo a cama e o palco, viajar e tocar juntos sem estarem realmente juntos (o show brasileiro já estava marcado quando divulgou-se o anúncio).

Fã não só da banda, mas também do casal, sei bem o que haveria feito se pudesse ter comparecido no SWU. Naquele momento entre as músicas, em que em geral os fãs berram os nomes das canções que desejariam escutar, eu gritaria: “get married again! Immediately!”.

Fosse uma comédia romântica, soaria ao fundo então a maravilhosa “I Love You Golden Blue”, em que Kim sussurra como se fosse ao ouvido do garoto dourado de olhos azuis Thurston, e pouco antes dos créditos do fim do filme eles cairiam em conta de que a reconciliação era o único caminho. E, no container improvisado de camarim atrás do palco, brindando com uísque importado da Escócia e pamonhas encomendadas em Piracicaba, selariam o amor eterno. Ou por pelo menos 27 anos mais.

Em solidariedade ao momento de Kim, Thurston e Coco Haley Gordon Moore, a filha de 17 anos de ambos, preparei um playlist com as top 5 melhores músicas sobre a separação. Boa sorte para eles.

5-Martinho da Vila – “Menina-Moça” (1967)

Genial pensata do craque de Vila Isabel sobre nossa insatisfação eterna e como funcionamos de forma cíclica: de passear a acompanhar, de acompanhar a flertar, de flertar a namorar, de namorar a noivar, de noivar a casar, de casar a brigar, de brigar a desquitar, de desquitar a amigar, de amigar a separar, de separar a não querer amar, e por não querer amar, chorar. Foi o samba que lançou Martinho, inscrito no festival da Record de 1967, mas só apareceu gravado no bom terceiro disco, “Memória de um Sargento de Milícias”, de 1971.

4-Arsenio Rodríguez – “El Divorcio” (1956)

Na tradição das grandes canções populares cubanas de transformar em versos irresistíveis os provérbios mais sacanas, o cego Arsenio (1911-1970) ensina aqui que “certos cães não perdem seu vício, ainda que queimem o seu focinho”. E a estes vacilões reincidentes, o refrão dá o exemplo fatal: “ahí la negra te lo dio el divorcio”.

3-Chico Buarque – “Trocando em Miúdos” (1978)

Na amargura, Chico fica ainda mais Chico. E nem a melodia ponderada de Francis Hime alivia a dor da ruptura expressa neste clássico. É escolher o melhor-pior verso e correr para soluçar debaixo do edredom. Alguns candidatos:

“Aquela aliança, você pode empenhar, ou derreter”

“Mas devo dizer que não vou lhe dar/O enorme prazer de me ver chorar”

“Eu bato o portão sem fazer alarde/Eu levo a carteira de identidade/Uma saideira, muita saudade/E a leve impressão de que já vou tarde”.

2-Bidê ou Balde – “Mesmo que Mude” (2004)

Implicância generalizada com o Bidê ou Balde é o que não falta por aí: são gaúchos demais, engraçadinhos demais, o vocalista Carlinhos é gordo demais, a backing vocal Vivi gata demais. Mas detratores e fãs – e eu não sou nenhum deles - hão de concordar: pouca gente acertou tão na veia em uma canção a respeito da relação entre duas pessoas recentemente apartadas quanto os autores desta, Carlinhos e o guitarrista Rodrigo Pilla.

Tanto de um lado: “Ela vai mudar/Vai gostar de coisas que ele nunca imaginou/ Vai ficar feliz de ver que ele também mudou/Pelo jeito não descarta uma nova paixão”

Quanto de outro: “Ele vai mudar/Escolher um jeito novo de dizer ‘alô’/Vai ter medo de que um dia ela vá mudar/Que aprenda a esquecer sua velha paixão"

(Ah, e diga-se: desde Stevie Wonder não se via um uso da talking box tão legal).

1-Bob Dylan – “Don’t Think Twice It’s Alright” (1963)

Tendo escrito sobre tudo e todos, Dylan expurgou demônios afetivos em mais de uma ocasião. Faço uma menção especial para “It’s All Over Now, Baby Blue” (1965), mas para mim o grande momento de terapia conjugal do Sr. Zimmermam veio logo em seu segundo e antológico álbum, “The Freewheelin’ Bob Dylan” (de 1963, o primeiro com canções de sua autoria), com a lindíssima "Don't Think Twice It's Alright".

Depois de sair sorrateiramente, sem deixar sequer um bilhete ("When your rooster crows at the break of dawn/ Look out your window and I’ll be gone"), Dylan começa o lamento em forma de carta. Diz sentir-se sufocado e, para ilustrá-lo, relembra o trauma de um relacionamento antigo (“I gave her my heart but she wanted my soul”) e lava um pouco de roupa suja ("You could have done better but I don’t mind") enquanto põe o pé na estrada. Em seu melhor estilo, sem olhar para trás. Para que debater a relação, afinal, se “We never did too much talkin’ anyway”?

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Só no ano que vem

2011-10-27T10:58:00.000-07:00

Outubro foi em sua maioria generoso com Barcelona, e até outro dia marmanjos de calças curtas sorviam chopes embaixo do nosso nariz, mais conhecido como nossa varanda. But the party is over, e os aproximados dez dias que levamos de friozinho já vão nos acostumando à nítida noção de que o verão nunca existiu. Calor só no ano que vem, e bota ano que vem nisso: abril ou maio estão longe.

Tempo, portanto, de desembolotar a pantufa e azeitar a conexão de internet para que o bom e velho Cuevana.tv não trave aquele episódio de “Mad Men” ou “Modern Family”. Tempo, também, de cobrir com lona as piscinas e pendurar a peneira.

No início da temporada ensolarada, a presença destas nossas amigonas azuis e clorificadas no mundo pop foi homenageada aqui com um animado Top 10 capas de disco com piscinas ocupadas. Conforme prometido na ocasião, encerramos este verão com um Top 5 capas com piscinas vazias (de gente, não de água). E bora lá fazer aquele chá.

5-Morphine – “Like Swimming” (1997)

Meio segundo antes e esta foto teria servido para o post das ocupadas.

4-Beach House – “Used to Be” (single – 2008)

Nem um sol de 40 graus salva os motéis americanos da decadência. Vivo, Norman Bates daria suas bombas aqui, nadando cachorrinho com a mãe empalhada.

3-Good Shoes – “No Hope, No Future” (2010)

É mais ou menos que nem nas unidades do Sesc. Te vendem este oásis de tranquilidade no catálogo, mas quando você chega lá é sete, oito negos por raia.

2-Titãs – “Domingo” (1995)

Ainda na ressaca de Arnaldo e do pouco sucesso de “Titanomaquia”, só uma piscininha salvava os Titãs.

1-Red Hot Chili Peppers – “Californication” (1999)

Californicação: barrigadas em nuvens de fogo sob um céu feito de mar.

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Dia das Crianças: os desenhinhos

2011-10-11T13:12:00.000-07:00

Dia das Crianças já virou tradição no Mala da Lista. Em edições anteriores da data, publiquei as melhores capas com músicos na infância, ou simplesmente as melhores capas com crianças e bebês. A molecada também compareceu neste top 10 especial de nascimento do André, o Malinha da Lista.

Em 2011, esta semana é duplamente da Criança. Pelo dia 12 de sempre, vulgo amanhã, mas também porque começam oficialmente as atividades na guardería (creche) dele, da qual somos orgulhosos cofundadores.

Na verdade o pequeno perdeu os primeiros dias “para valer” por causa de uma febre, ainda que já tivesse participado, com os pais e se saindo muito bem, da temida fase de adaptação: não chorou, não cometeu bullying, não apanhou. Ficou na dele.

Aliás, graças à pedagogia Waldorf, durante esta mesma adaptação eu por fim dei um significado legítimo a uma antiga expressão linguística, aparentemente niilista. Os pais eram recomendados a realizar “atividades manuais” enquanto acompanhavam o desempenho dos filhos. Totalmente bronco neste quesito, fingi que lixava um toco de madeira para dar-lhe a forma de um belo nada. Por meia hora estive, portanto “pouco me lixando”.

Fossem estas atividades manuais uns desenhos, os resultados poderiam ser mais produtivos e até figurar neste novo ranking: o de capas de discos que foram ou parecem ter sido ilustradas por crianças.

10- Neil Young & Crazy Horse – “Zuma” (1975)

Em algum idioma “Zuma” deve querer dizer “mulher nua sobrevoa um cacto suspensa por uma cegonha”.

9-Mallu Magalhães – “Mallu Magalhães” (2008)

O som já era over-fofo. Precisava também do leãozinho bobo?

8-Oscar Peterson – “Put on a Happy Face” (1962)

O jazz aqui é de tal qualidade que a carinha feliz é daí para cima.

7- John Lennon – “Walls and Bridges” (1974)

Se não faltava feeling ao John músico da idade adulta, tampouco dá para dizer que a versão infantil do gênio fosse um completo desastre na prancheta. Pelo contrário.

6-The Cure – “The Cure” (2004)

Se entrasse um coleguinha chamado Robert Smith em minha classe no Infantil 2, eu o retrataria mais ou menos assim.

5-Mudhoney - “Every Good Boy Deserves Fudge” (1991)

Eu e meu amigo Marquinhos tínhamos mais ou menos o tamanho destes bonequinhos quando ensaiávamos a nossa versão de “Good Enough”, clássico presente no disco.

4-Tortoise – “TNT” (1998)

Um encarte ultra-simples – o único capaz de transformar uma embalagem de CDR em fetiche – que é a doce antítese do complexo (e maravilhoso) som que traz em seu interior. Até o personagem, uma espécie de Gasparzinho na puberdade, parece intrigado com a quantidade de referências desconstruídas e recombinadas pelo célebre grupo de Chicago.

3-Bauhaus – “Mask” (1981)

Em se tratando de uma das bandas góticas por excelência, nem o urso de pelúcia – concebido pelo guitarrista Daniel Ash - escapa de ser sinistro.

2-Einstürzende Neubauten – “Kollaps” (1981)

Em algum lugar eu vi que este desenho é do período Neolítico, ou algo do gênero. Possivelmente – por que não? – de alguma criança. De qualquer modo, excelente maneira de representar o brutal experimentalismo dos alemães dos quais gosto, mas cujo nome nunca, jamais saberei pronunciar.

1-Maurício Takara – “M.Takara” (2003)

A pior coisa que pode acontecer na vida de alguém é ser minha dupla no “Imagem & Ação”: sou o pior desenhista que conheço, e desafio qualquer um a me tirar deste trono. Talvez por isso me identifique com desenhos que, como este, sejam tão toscos e ao mesmo tempo transmitam alguma emoção. Neste caso, ainda é o cartão de visitas de um belo álbum. Mais legal todavia é o fato do retrato ter sido traçado durante a infância pelo irmão mais velho do artista (o também músico Daniel Ganjaman), e que o “original” foi salvo de uma definitiva lata de lixo aos 45 minutos do segundo tempo (sim, a textura de “amassado” é genuína).

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Trem Bão

2011-09-26T12:56:00.000-07:00

Meu cunhado, Theo Craveiro, é artista dos bons. E, numa prova de amor à arte daquelas que pouco se vê, passou quatro dias em diferentes trens na Europa, lidando com oficiais de segurança não necessariamente amistosos, levando portadas diplomáticas e... carregando três colônias de formigas amazônicas escondidas na mala.

Os insetos, vivos, são o epicentro vivo do trabalho que Theo exibiu semanas atrás na Bienal de Istambul, na Turquia (clique no nome dele para saber mais). São, também, a razão pela qual o tio do meu filho preferiu embarcar nesta verdadeira farofada ferroviária de Berlim à capital turca, trajeto equivalente a um “Oiapoque ao Chuí” europeu, com medo de ter as bichinhas confiscadas em aviões.

E como se não bastasse toda a sua simbologia (Oriente-Ocidente, Primeiro Reich-Constantinopla), a cruzada contou com obstáculos dignos de legenda: o oficial sérvio mandando o artista voltar a Budapeste pela ausência do visto, a posterior travessia por enferrujados trilhos da remota Bulgária e as indagações mal-humoradas dos guardas do vagão até a chegada à cidade turca Edirne, onde um pesquisador especializado em formigas daria aquela força. De quebra, Theo estava amarradão no Ramadã, ao qual aderiu, diz, para “pesquisar jejuns”. “Deu tudo certo graças a Alah”, comemorou.

Em homenagem à epopeia colossal de meu cunhado - vagando por trens vazios, parando em estações fantasmagóricas, sem banho, comida ou bebida, inalando chulés que não distinguem credo, cor ou raça, só faltando encontrar Átila, o huno, pelo caminho, e ainda com formigas “em cima” -, preparei um top 10 com canções que usam o trem como metáfora ou imagem real.

10-Tom Waits – “Downtown Train” (1985)

Depois regravada por Rod Stewart, é uma das faixas mais pop da carreira de Waits. Com direito a ele bailando no clipe e tudo mais.

9-Paralamas do Sucesso – “Uns Dias” (1988)

Aparentemente, o “expresso do Oriente” mencionado no primeiro verso é uma metáfora para o amor que acabou em dor de corno. Afinal “rasga a noite, passa rente e leva tanta gente que eu até perdi a conta”.

8-Guns n’Roses – “Nightrain” (1987)

Extraído da histórica temporada na casa nova-iorquina Ritz, em 1988, o vídeo abaixo registra a “banda mais perigosa do mundo” passando como um trem noturno sobre a plateia. Steven Adler ainda era o baterista; Izzy Stradlin ainda era um dos guitarristas, com Slash; e Axl ainda gostava mais de New York Dolls e Stones do que Elton John.

7-Jimi Hendrix – “Hear My Train A’Coming” (entre 1969 e 1970)

Tendo-se em conta a fama de garanhão de Jimi, tende-se a farejar conotações sexuais em uma frase como “escute o meu trem chegando”, com o agravante de que “coming” possui o sentido duplo mais famoso da indústria pornô. Mas uma lida rápida na letra inteira mostra outro contexto, mais sério, do guitarrista exorcizando racismo e outros demônios que o perseguiram antes da fama, em versos como “estou esperando aquele trem/para me levar deste lugar solitário” ou então “que mal que a sua gente me despreza”. Em violão de doze cordas, fica ainda mais doído. Jimi tinha mesmo que pegar aquele trem.

6-The Cure – “Jumping Someone Else’s Train” (1979)

Os ingleses costumam ter grandes expressões. Esta, que só ouvi neste temazo do Cure, é das melhores entre as equivalentes ao nosso “Maria vai com as outras”: fulano ou fulana está sempre “pulando no trem de alguém mais” para se atualizar, ou estar na moda. Vídeo histórico, da banda em seu começo, ainda em trio. Então Robert Smith tocava a canção em pitch até mais acelerado do que a versão original. Dos anos 1990 para cá, como pude comprovar em show de 2008, os BPMs dos góticos cinquentões baixaram quase pela metade na hora de recuperar o repertório do primeiro disco.

5-James Brown – “Nigh Train” (1964)

Lançado originalmente em 1951 por Jimmy Forrest, um de seus autores, este rhythm and blues ganhou energia atômica na versão do Godfather of Soul. Basicamente, ele insere seus conhecidos improvisos vocais em meio ao tema instrumental, que soa não menos que uma locomotiva ensandecida. O imperdível vídeo é uma delirante aula de dança do homem que anteviu a maioria dos passos de Michael Jackson. O público adolescente, cavalgando nas cadeiras, simplesmente não deixa o homem ir embora.

4-The Clash – “Train inVain” (1979)

Um disco monumental como “London Calling” tinha que ter um final à sua altura. E “Train in Vain”, do sempre melódico Mick Jones - o Paul McCartney do Clash -, não decepciona em seu desamor: Jones “perdeu o trem” de alguma senhora. Até hoje enche pistas pela noite, mesmo quando não é tocada (sua levada de bateria foi sampleada pelo Garbage em “Stupid Girl”, de 1995).

3-Milton Nascimento e Lô Borges – “Trem de Doido” (1972)

Mineiro fala tanto “trem” que no histórico “Clube da Esquina”, o disco das Minas Gerais por excelência, há duas canções sobre o assunto. Duas senhoras composições, senhoras o suficiente para simbolizar a beleza e a melancolia de todo o álbum. No embate final entre os dois clássicos coescritos por Lô, “Trem Azul” (com Ronaldo Bastos) e “Trem de Doido” (com Márcio Borges), optei pela segunda. Para mim, uma parábola sobre ser jovem e desejar permanecer como tal. “Nada a temer/Nada a combinar/Na hora de achar lugar no trem/E não sentir pavor/ Dos ratos soltos na casa”.

2-R.E.M. – “Driver 8” (1985)

Vocês sabiam que o R.E.M., após 31 anos de sólida carreira e 15 álbuns de estúdio – a maioria bons - acabou esta semana? Separação amigável, como não poderia deixar de ser em se tratando de uma das bandas com integrantes mais “bonzinhos” da história (quem não se lembra de Michael Stipe ameaçando Hommer Simpson com uma garrafa quebrada, para depois refletir e decidi coletar os cacos para reciclá-os?).

Pois comece a lamentar a ausência do trio de Athens, Georgia – que lançou seu último disco este ano – com este road movie ferroviário musicado, em cujo refrão o “maquinista 8” é recomendado a dar um break, já que está no comando há muito tempo. Uma das melhores músicas da banda, em vídeo de quando Stipe ainda tinha cabelos, e os tingia de amarelo.

1-Kraftwerk – “Trans-Europe Express” (1977)

Ora, que outra canção que não esta poderia coroar um ranking sobre uma travessia europeia em trem? E não só por isso. Como fez na maioria de suas músicas, o quarteto alemão sintetiza aqui, com apenas um primitivo beat eletrônico, três palavras e uma melodia de sintetizador, todo um tratado de ideias. No caso, partia de um tributo direto a uma companhia com este nome, Trans-Europe Express (ativa entre os anos 1950 e 1990) para tecer um comentário retro-futurista do que viria a ser a Europa moderna interligada. O riff, por sinal, foi crucial na fundação do hip-hop ao ser sampleado por Afrika Bambaataa no pancadão “Planet Rock”, cinco anos depois. Atenção para o “estaile” dos germânicos no clipe.

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O 11 de Setembro e a Música

2011-09-09T06:23:00.000-07:00

Foto: David Karp (AP)

Na noite de 11 de Setembro de 2001, o bar paulistano Filial lembrava muito aquela cena do filme “Being John Malcovich” (1999) na qual o protagonista – ele mesmo, o ator Malcovich – entra em sua própria cabeça e tudo o que pode enxergar são pessoas diferentes, mas com o seu rosto, falando apenas uma palavra: “Malcovich”.

Só que, na impressão que carrego até hoje, no reduto boêmio da Vila Madalena naquela noite todos os presentes, dos garçons às garotas, dos bêbados ao tiozinho que vendia bonecos de pano (RIP), tinham a barba grisalha, o turbante redondo e as feições de homem calmo de Osama Bin Laden. Esticando o ouvido até a mesa ao lado, só se escutava “Bin Laden”. OK, havia uma ou outra variação: “Bush”, “World Trade Center”, “Aviões”, “Al Qaeda”. Mas era absolutamente impossível falar em ou prestar atenção a qualquer coisa que não tivesse relação com aquele assunto.

Dez anos se passaram e o mundo é outro por causa daquele dia. Duas guerras começaram – e não acabaram -, milhões tiraram os sapatos nas alfândegas e, antes de ser executado, Osama Bin Laden (ou “Mohamma Bin Laden”, como arriscou um amigo pouco informado dias após os atentados) virou máscara de Carnaval, gag de "South Park", quadro do Casseta & Planeta e torcedor-símbolo do Corinthians. 3650 dias depois, porém, toda vez que vejo as imagens do segundo avião girando e entrando com tudo na torre, me surpreendo como se fosse a primeira. Para quem esteve lá, deve sempre subir às narinas o “cheiro de cinza molhada” daquela manhã, como descreveu outro dia o escritor espanhol Antonio Muñoz Molina, testemunha ocular dos fatos.

O cruzamento da música com os ataques que marcaram nosso tempo e seus ícones básicos - as Torres Gêmeas, Osama, Al Qaeda, Bush e etc – é o tema deste top 10 especial. Me aprofundo em alguns dos itens escolhidos aqui.

10-O clipe “Without Me”, de Eminem (2002)

Eminem pode ser 99% do tempo muito irritante. Mas às vezes é também engraçado. Em 2002, quando as cicatrizes do 9/11 ainda estavam úmidas, o cara já parodiava Bin Laden neste clipe, que aliás é um carnaval do politicamente incorreto. Entre tirações de sarro com Elvis gordo e Robin, sobram xingamentos ao Limp Bizkit e safanões em Moby, aquela “bicha careca de 36 anos”. Reparem a partir do tempo 4”06’, quando Eminem, fantasiado de Osama, dança no cafofo do terrorista.

9-A capa censurada do disco “Party Album”, do The Coup (2001)

Três meses antes do 9/11, a dupla californiana de rappers The Coup concluiu a arte gráfica de seu disco "Party Music", com montagem de seus dois integrantes, Pan The Funkstress e Boots Riley, implodindo o World Trade Center. A ideia era criticar o capitalismo. Por sorte, o lançamento do CD só estava previsto para dias depois da data em que ocorreram os ataques da Al Qaeda. Deu tempo de mudar a versão original da capa, prestar condolências às vítimas e evitar um cataclisma de publicidade negativa.

8-A capa do álbum “Towering Toccata”, de Lalo Schifrin (1977)

Um dos grandes craques das trilhas sonoras de cinema e televisão – é sua a inesquecível tema da série “Missão: Impossível”, dos anos 60 e 70 – Lalo Schifrin também gostava de brincar com o trabalho dos outros. E isso não se estendia às releituras de outras scores famosas que gravava, como a versão disco para o tema de “Tubarão”, de John Williams. O argentino – sim, boludo, ele nasceu Boris Claudio Schifrin em Buenos Aires – também mencionava filmes nas capas dos discos. Neste, aparece como um gigante entre os colossos do World Trade Center, fazendo um trocadilho com “Towering Toccata”, o nome original do filme “Inferno na Torre” (1974).

7-O disco “To The Five Boroughs”, do Beastie Boys (2004)

Todos os outros discos dos Beastie Boys são mais inspirados que este. É de se compreender. Mais novaiorquinos, impossível – conseguem ser judeus, rappers, skatistas, editores e ativistas ao mesmo tempo -, Mike D, Ad Rock e MCA andavam bastante bococoxôs com a tragédia de 2001. Resolveram então gravar um álbum em tributo aos 5 boroughs (algo como “distritos”) que compõem a Grande Maçã. Claro que tem seus bons momentos, como esta carta à cidade em forma de rap.

6-O álbum “WTC 9/11”, de Steve Reich e Kronus Quartet

Com a ajuda de seus velhos amigos do Kronos Quartet, o americano Steve Reich – cuja genialidade este blog pôde ver de perto graças a convite de uma certa alma boa chamada Gustavo Abreu – musicou diálogos reais entre pessoas que viveram os atentados de perto. É dividido em três partes, sendo a primeira, “WTC 9/11”, a mais relacionada com a tragédia. O músico minimalista viveu os atentados na pele - filho, nora e neta de Reich escaparam por pouco, porque estavam em seu apartamento a quatro quadras do World Trade Center.

Como no caso do The Coup, o disco também teve sua capa original alterada de última hora. Inicialmente, seria esta abaixo.

Mas, diante de severas críticas por “falta de sensibilidade” que passou a receber quando o projeto gráfico foi divulgado, o autor voltou atrás e escolheu esta outra.

Para escutar "WTC 9/11" na íntegra ou trechos das faixas, clique aqui.

5-A música “Jack Kerouack”, da Gangue 90 (1983)

“Ontem a noite eu sonhei que eu era Jack Kerouac/E subi num terraço: rua Houston/ E vi as duas torres gêmeas brilhando”. Júlio Barroso, o fundador da Gangue 90 morto prematuramente ao cair da janela de um prédio em São Paulo em 1984, havia morado em Nova York. Seguira de perto a mutação do punk à new wave e venerara beatniks como Kerouack, que haviam influenciado ambas as gerações. Em um dos grandes momentos pós-punk nacionais, ele eternizou o encantamento pela visão noturna das torres gêmeas.

4-A canção “City of Blinding Lights”, do U2 (2004)

Em 27 de outubro de 2011, apenas um mês e meio após os ataques, a gigantesca arena Madison Square Garden voltou a receber apresentações de bandas. O jejum foi quebrado pelo U2 em emotivo concerto que teve de catarse coletiva em “Where the Streets Have No Name” - uma ode a NY – a bombeiros subindo no palco em Walk On”. Conta Bono que os 20 mil espectadores presentes choraram. Daquela noite veio a inspiração para “City of Blinding Lights” cujos versos lamentam a mudança no comportamento das pessoas pós-atentados (“Já vi você caminhar destemida”, diz um trecho), mas também celebram a recuperação e a sensação de ver Nova York pela primeira vez (“o tempo não arrancará o garoto de dentro deste homem”).

3-A música “Jesse”, de Scott Walker (2006)

O horror, o horror. Certas obras de arte são transcendentes justamente por sugerir um pesadelo. Podem ser difíceis, indigestas, mas ao mesmo tempo geniais. Presente em um dos discos mais cerebrais, sombrios e absolutamente imprevisíveis já lançados – “The Drift”, de 2006 – “Jesse” choca e brilha duplamente. Quanto à forma, é irrepetível pelo vozeirão de velho crooner de Walker choramingando sobre um drone sinistro de guitarra; quanto a seu conteúdo, inesquecível por unir sobre o mesmo denominador a queda das duas torres do WTC e a sina do irmão gêmeo de Elvis Presley, Jesse, que nasceu morto minutos antes do Rei. Abstraindo bem, percebe-se que a guitarra fantasmagórica e repetitiva é uma citação torta de “Jailhouse Rock”, de Presley, que cruza nossa mente enquanto Walker geme “a fome é uma torre alta” ou no claustrofóbico final, em loop: “eu sou o único que sobreviveu”.

2-Erik Satie na trilha do “Man on Wire” (2008)

O sublime documentário "Man on Wire" (2008), do inglês James Marsh, investiga os bastidores do “assalto” do equilibrista insano francês Philippe Petit ao WTC em 1974. Na ocasião, Petit e amigos burlaram o forte esquema de segurança das torres para que ele pudesse cruzar de uma a outra caminhando sobre um cabo a mais de 400 metros de altura. É difícil superar a imagem ficar do gênio “flutuando no ar”, mas a inserção da trilha sonora do documentário torna tudo ainda mais emocionante.

A maioria das composições são do músico minimalista inglês Michael Nyman, fiel escudeiro de Peter Greenaway. Só que o ponto máximo do filme foi “musicado” por Erik Satie (1866-1925). Na interpretação do pianista Pascal Rogé, francês como o mestre minimalista, o número 1 de suas 3 peças “ Gymnopédies”, de 1888, soa não só como o background perfeito para a maluquice esplêndida de Petit, mas também como um bonito pré-réquiem em homenagem às torres.

1-A música e o disco “The Rising” de Bruce Springsteen (2002)

Eu não sou especialmente fã de Bruce Springsteen. Creio que precisaria ter nascido americano para “acabar de entender” – assim dizem os espanhóis – o som dele. Da mesma forma como me faz falta a nacionalidade americana para gostar de manteiga de amendoim e não achar futebol um esporte maravilhoso. Fico pasmo muitas vezes com a obsessão da imprensa musical dos EUA por Springsteen. Nas revistas mais conhecidas do ramo falam mais de The Boss do que praticamente qualquer outro músico do planeta. Com a possível exceção de Bob Dylan.

Mas não sou bobo, e sei que “O Cara” para compor o álbum-símbolo do pós-9/11 era Springsteen. Ele sabia, os bombeiros cobertos de pó cinzento sabiam, republicanos neocon e democratas “prafrentex” também. Diz o compositor de New Jersey, desde os anos 70 uma espécie de porta-voz do cidadão-médio-trabalhador-pagador-de-impostos americano, que começou a escrever as canções de “The Rising” no dia seguinte aos ataques.

Eu duvido: para mim, entre o sopro do assessor na orelha de Bush e sua levantada da cadeira na escolinha da Flórida – com a maior cara de bunda já registrada por uma câmera -, The Boss já tinha pelo menos o esboço de dois ou três versos na manga. Menos de um ano depois, o disco com quinze faixas, boa parte delas inspirada no massacre e em seus personagens, fazia estrago nas paradas. De quebra, era o álbum em que Bruce se reunia com sua mítica E-Street Band após uma década e meia.

E é justamente a faixa-título, “The Rising”, que vai para o trono desta lista. Calma no começo – ainda que a escolha de acordes já insinue a grandiloquência que está por vir - , vai ganhando corpo com a entrada das guitarras, esquenta mais e mais na repetição do refrão duas vezes. A chegada no clímax, o “la-la, la-la-la-la”, com The Boss trincando os dentes – a cara do Robert de Niro –, sentindo o bafo de Steven Van Zandt (um bafo de alho, afinal ele é um dos Sopranos) arrepia a espinha de qualquer cidadão, americano ou não. Pois o rock tocado com vontade converte até o menos patriótico dos seres, adrenaliza o mais inerte dos infiéis. Ainda mais se show é na própria Nova York, de frente ao Radio City Music Hall, debaixo de chuva. Faltou só o Conan, o Bárbaro aparecer, duelar com Springsteen. Perderia, é claro.

Com versos abertos a interpretação, válidos para qualquer situação de florescimento ou ressurreição (“Eu encontro o meu caminho em meio à escuridão/Não sinto nada além desta corrente que me controla”), “The Rising" seria depois utilizado na campanha de Barack Obama.

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A festa nunca termina

2011-08-17T10:52:00.000-07:00

Europeu aproveita o verão com disposição de Geraldão, porque sabe que a hora em que a brincadeira acaba, é para valer: neve, calefação, ceroula, caldo galego. Provavelmente por isso no Velho Continente todo povoado de 500 negos ou bairrinho de cidade média tem que ter a sua festa tradicional no meio do ano. Não importa o motivo.

Se um vilarejo é conhecido por seus rabanetes, por exemplo, pode apostar que entre julho e agosto ocorre lá, há sete séculos e meio, a Festa do Rabanete. Na quermesse, gordas senhoras esquecem as varizes e cozinham a raiz em panelas de 3 metros de diâmetro, enquanto músicos dos arredores recuperam um folclore sofrível, adolescentes vomitam vinho com coca-cola e todos sei lá, dançam descalços em cima da maçaroca rabanética num rito pagão.

Barcelona segue à risca as tradições, e neste momento se encontra no auge da gandaia, com o começo das Festas do bairro de Gràcia, a melhor oportunidade para se apreciar exemplares da curiosa fauna dos seres de crina mullet-dread. Mês passado rolaram as do meu bairro, o Poble Sec (até decoramos a sacada), e em setembro chega a Mercè, por toda a cidade. A Festa nunca termina enquanto dura, e por isso o episódio de hoje do MDL resgata algumas capas de disco com este espírito. Bolachas que, aliás, guardam um exuberante conteúdo musical que bem poderia ser playlist destas festanças (a única com programação musical razoável é a da Mercè).

10-Tom Tom Club – “Tom Tom Club” (1981)

A capa pode ser bem ludiquinha e naïve, mas o que vem dentro é pura pista para adultos. De quando os Talking Heads, em seu auge criativo, também acertaram em cheio nos projetos paralelos.

9-The Temptations – “House Party” (1975)

Se a festa é em casa, os convidados não podem estar para brincadeira.

8-Guizado – “Punx” (2008)

O bom artista gráfico paulistano MZK retratou bem a balada urbana sem compromisso. Democrático, o convescote conta com ilustres presenças, como o robô do canto esquerdo e o sujeito de quatro olhos do meio.

7-Queen – “Friends Will Be Friends (single - 1986)

Às vezes é assim, amigo avisa o amigo do amigo, que avisa o amigo do amigo. Quando foi ver, já foi. Aí só sendo Freddie Mercury mesmo para segurar a peteca.

6-The Lovin’ Spoonful – “Everything Playing” (1968)

Ah, a psicodélica segunda metade dos anos 60. Reparem no roliço personagem mais à esquerda, mistura de Buda, Wilza Carla e o boneco azul das antigas propagandas de Cotonetes.

5-Bar-Kays – “Soul Finger” (1967)

Lá pelo final dos anos 90 nove entre dez festas de funk e soul de São Paulo sampleavam esta capa para seus convites. Seguramente você já acabou em uma.

4-Miles Davis – “On The Corner” (1972)

Toda vez que me deparo com este clássico me transporto para as noitadas descritas pelo recém-finado Gil Scott-Heron no bom livro “Abutre”. Mais pelo clima da portada do que pelo som, até. Atenção para as mensagens “Vote for Miles” e “Free Me”. Em 2001, com minha ex-banda TchucbandioniS, prestamos tributo a este álbum com o nome e a capa de “On The Cave”, nosso disco mais experimental. Arthur Joly cuidou de ilustrar a festa estranha com gente esquisita. No caso, nós mesmos:

3-Roxy Music – “Manifesto” (1979)

Claro que Bryan Ferry e seus cupinchas tinham que contribuir com o item mais chique do ranking. Sobram blasesimo e ambiguidade sexual, como em todo o trabalho da grande banda.

2-Marvin Gaye – “I Want You” (1976)

O que falta de faísca libidinosa no número 3 abunda aqui. Belíssimo, bastante quente e definitivamente hetero.

1-George Michael – “Listen Without Prejudice Vol. 1” (1990)

Festa na praia! Você que achou que Mongaguá estava apertado demais no fim de semana passado, tranquilize-se. Na Coney Island dos anos 40, em plena Nova York – época e local onde foi feito este retrato - a farofa era muito mais pesada. Só não tem ninguém com tubo de Neutrox rosa porque acho que ainda não haviam inventado o Neutrox rosa.

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Muita calma, Ladrão, muita calma

2011-08-03T16:38:00.000-07:00

Meu bairro, o Poble Sec, é dos mais legais de Barcelona. Está a dez minutos a pé do centro, quinze da montanha e vinte do mar. Tem bons bares e restaurantes, um ar boêmio empolgante e gente de tudoquéquantélado do mundo, embora o grau de integração ainda esteja mais para “Do The Right Thing” do que United Colours of Benetton. Mas enfim, é bacanão.

Só que, claaaro, não é perfeito. Longe disso. Por exemplo, no Poble Sec há pelo menos um QG de batedores de carteira profissionais, esta modalidade de crime que vive sua era dourada na capital da Catalunya (113,5 mil roubos sem violência no ano passado). Eles costumam se encontrar num locutório - estes muquifentos centros de telefone e internet pagos - e um bar (possivelmente o mais podre da cidade) em frente, quase em minha rua.

Noutro dia os dois estabelecimentos foram palco de uma batida policial, com tropa de choque e tudo, e das cem pessoas revistadas, quarenta tinham antecedentes criminais. A maioria esmagadora era da mesma nacionalidade, que não vou revelar aqui para que novos Anders Behring Breiviks não entrem em erupção.

Enfiei a carteira no bolso da frente com a mão dentro e subi pela rua paralela, pensando em surrupiar de meus próprios arquivos secretos o top 10 canções sobre ladrões, furtos, roubos que vinha preparando. E aqui está, uma safra boa, destas de guardar em cofre. Reparem que quase todas são contadas do ponto de vista de quem rouba. Seriam os compositores uns cleptomaníacos reprimidos?

10- The Slits – “Shoplifting” (1979)
Os pequenos furtos em lojas, modalidade criminal adolescente por excelência, abrem o ranking pelos ensinamentos das primeiras heroínas do punk inglês. O prêmio nonsense vai para o alvo da cobiça infratora das minas: “coloque o cheddar no bolso, e o resto na jaqueta”.

9-Dead Kennedys – “Stealing People’s Mail (1980)
Equanto uns arriscam a liberdade por queijos, outros não conseguem dormir sem interceptar ilegalmente a correspondência alheia. A sensacional tijolada clepto-postal é a primeira das quatro músicas do vídeo.

8-Titãs – “Marvin” (1984)
Cantada pelo soulman cego Clarence Carter, “Patches”, canção dos anos 1970 versionada nos 1980 por Nando Reis, tem letra tristíssima. Mas em nenhum momento o cidadão que a compôs menciona “só via carne se roubasse um frango”, ou “deus, era em nome da fome que eu roubava”. Nando, então adepto de um alaranjado afro-mulet, foi longe na adaptação. E se deu bem. “Marvin” é hit até hoje.

7-New Order – “Thieves Like Us” (1984)
Na tradição de significados oblíquos de algumas letras do New Order, esta new wave melancólica não fala diretamente de “ladrões como nós”. São versos mais de mea culpa do que qualquer outra coisa, e o título reverencia livro e filme (do Altman) de mesmo nome. A metáfora do ladrão. Boa ideia, até.

6-Chico Buarque – “Pivete” (1978)
Não poderia faltar o autêntico modelo made in brazil de delinquente juvenil. Aquele que, segundo Chico, “aponta um canivete”, “arromba uma porta” e “faz ligação direta”.

5-Chico Science & Nação Zumbi – “Da Lama ao Caos” (1994)
O saudoso olindense gostava de abordar o assunto. “Cidadão do Mundo” era um exemplo. Outro, ainda mais forte, fora a faixa-título do seu disco de estreia com a Nação Zumbi. O refrão ninguém esquece – “um homem roubado nunca se engana”, mas também entrou para a história o “peguei um balaio/ fui na feira roubar tomate e cebola/ Ia passando uma véia/ pegou a minha cenoura/Aí minha véia, deixa a cenoura aqui/Com a barriga vazia não consigo dormir”.

4-Serge Gainsbourg & Brigitte Bardot – “Bonnie and Clyde” (1967)
Poucos duetos poderiam ser mais sugestivos do que o cafifa Serge e a gostosa Brigitte cantando sobre o casal de bandidos mais pop da história. Outro figurão contravenção, Jesse James, também é lembrado nos versos iniciais. Mas se você é como eu, que não fala bulhufas de francês, foque na safadeza da dupla, o refrão grudento, o groove entorpecente e o suíngue têxtil da cuíca. Coisa de ladrão.

3-The Clash – “Bankrobber” (1980)
“Daddy was a bankrobber/ But he never hurt nobody”. Joe Strummer tentava assim sensibilizar as massas para a vida de familiares de assaltantes. Jogou sujo, criando um dos melhores momentos do sempre feliz affair Clash x música jamaicana.

2-Racionais MC’s – “Eu Sou 157” (2002)
“Vagabundo assalta banco usando Gucci, Versace/ Civil dá o bote usando caminhão da Light/ Presente de grego, né?/ Cavalo de Troia/ Nem tudo que brilha é relíquia nem joia”. Mano Brown é um obcecado por esmiuçar os bastidores da rotina de ladrões e outros criminosos. “Eu Tô Ouvindo Alguém me Chamar” já era uma obra-prima, mas “Eu Sou 157”, além de voltar ao tema, simboliza o auge da complexidade das letras do rapper: a bola da narração é passada inúmeras vezes com maestria, mas sem que o ouvinte deixe de saber que é a história do assaltante o fio principal. Tragédia, arrependimento, raiva, confusão, suspense e uma boa dose de comédia se fundem na panela, tornando esta crônica sem final feliz uma das mais completas sobre o assunto.

1-Janes’ Addiction – “Been Caught Stealing” (1990)
A regra é clara: “When I Want Something/and I don’t wanna pay for it/ I walk right/ Through the door”. Uma música que consegue ser um hit ensinando a roubar tem que ir para o trono. O fetiche em torno da canção - e do clipe sensacional - lá pelo início dos anos 1990 era brabo: a fita que eu tenho até hoje foi gravada do CD que um amigo meu “afanara” de uma filial do extinto Mappin. Eu poderia jurar que ele chegou para mim cantando: “Hey allright/ If I get by... It’s mine!”.

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Nostalgia do cloro

2011-07-18T13:53:00.000-07:00

Falta só uma coisa ao verão de Barcelona: piscinas.

Quase todo mundo por aqui mora em apartamento – em mais de cinco anos na cidade, só conheci duas casas – e os edifícios não possuem área externa, o que impossibilita qualquer dispositivo de lazer extra. Tal esquema contribui para que esta praga chamada condomínio não faça parte de nossa planilha de custos. Mas, por outro lado, aquela barrigada sem sal só rola se Maomé subir até a montanha, o que significa ter algum amigo ricaço na chamada Zona Alta (bairros como Pedralbes e Bonanova), ou escalar Montjüic, onde há pelo menos duas piscinas públicas. O “Monte Judeu”, como é conhecido este último, é meu vizinho, e eu não conheço nenhum milionário catalão, assim que tentarei a opção B para as próximas semanas.

Minha nostalgia pelo cloro acabou sendo o trampolim para um top 10 com capas de álbuns feitas em piscinas. Também inspirou este post um dos grandes heróis deste blog, Nick Hornby, que já dedicou um texto inteiro à irritação que sente quando pessoas entram n’água e começam a nadar borboleta por livre e espontânea vontade. O cara é gênio. (Um dia desses escrevo minha versão, sobre os idiotas que dão virada olímpica sem que ninguém tenha pedido.)

*Só entraram as piscinas “povoadas”. As vazias ficam para o fim do verão

**“Nevermind” do Nirvana e outras capas exploradas em posts como as melhores capas com Bebês ou Dinheiro também não valem mais.

10-Oasis – “Be Here Now” (1997)

Eis o uso que um rockstar pode dar à sua piscina. Uma referência direta aos excessos de um ídolo da banda, Keith Moon, baterista do The Who, que em certa ocasião estacionou seu Rolls-Royce não exatamente na garagem de sua casa.

9-Blur – “Leisure” (1991)

Se há um Oasis na lista, há de se encontrar lugar para um Blur. Brincadeira, esta deixou algumas de fora na hora da seleção final pelo estilo da mocinha.

8-Mind Spiders – “Mind Spiders” (2011)

É preciso avisar as caveiras de que há óculos mais apropriados para a prática de natação.

7-The Boomtown Rats – “The Art of Surfacing” (1979)

Do disco que inclui o hit “I Don’t Like Mondays”. Bob Geldof deve ter composto a música após uma aula de natação às 7 da manhã de uma segunda-feira, no inverno inglês.

6-Def Leppard – “High ’N’ Dry” (1981)

Eita jeito de rachar o crânio...

5-Trickster – “Back to Zero” (1979)

Poderia uma capa ser mais gay? Garimpado do livro “1000 Record Covers”, de Michael Ochs.

4-Prince & The Revolution – “Around the World in a Day” (1985)

À primeira vista, quase não dá para ver que esta peculiar festa - entre cujos convidados se destacam o médico nonsense do canto direito e a mistura de Robert Smith com Edward Mãos-de-Tesoura – está ocorrendo ao redor de uma piscina. Mas abrindo o encarte, vem a revelação:

3-Siouxsie & the Banshees – “The Scream” (1978)

Certos álbuns soam como suas capas, por mais abstrato que isso possa parecer. O trabalho de estreia da banda precursora do punk gótico é incômodo e estranho tal qual a expressão da garota submersa do meio.

2-The Motels “The Motels” (1979)

Já outros trazem um certo contraste entre o som e parte gráfica. “The Motels”, por exemplo, é bem mais previsível e até careta do que sua sensacional portada.

1-Robert Palmer – “Double Fun” (1978)

Por fim alguém nesta lista que deixou as propostas “arty” de lado e caiu de bomba n’água. Em companhia, tudo indica, de duas jovens. Que no momento deveriam estar praticando pernadas de nado sincronizado erótico acrobático.

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Envelhecer

2011-07-05T04:37:00.000-07:00

Ilustração: Mikl

Em 2010, o Mala da Lista celebrou seu primeiro ano de vida com um Top 5 canções sobre aniversários.

Para soprar a segunda velinha não valia repetir a mesma ideia, o que obrigou o blogueiro a pensar em outro ranking envolvendo a passagem do tempo: as melhores músicas sobre o medo de ou a rejeição a envelhecer.

E, sendo a música pop um fenômeno essencialmente jovem, isso sempre esteve na pauta de algumas ótimas canções. Foi também, por coincidência, a obsessão de Michael Jackson, o Peter Pan da música e centro das atenções do post inaugural deste blog.

5-Ramones – “I Don’t Wanna Grow Up” (1995)

Como a própria banda novaiorquina e seus fãs, o moleque que narra esta história está decidido a não crescer. Por causa de, entre outras pentelhações de adultos citadas na letra, pais que brigam e enchem a cara, o trabalho excessivo e até mesmo os cabelos que fatalmente caem um dia.

4-Alphaville – “Forever Young” (1984)

É interpretada de forma exageradamente dramática? É. Tem arranjo grandiloquente e bregão típico do período? Tem. Mas não importa. No fundo, trata-se de uma senhora balada deste grupo alemão (só soube agora!) de tecnopop, que ousava pedir a juventude infinita, e por que não, a vida eterna no refrão. Tão marcante para quem crescia nos anos 80 – lembro de minha irmã e as amigas chorando as pitangas dos primeiros foras ao som de “Forever Young” – que qualquer versão deveria ser proibida. Principalmente a cafonaça que Jay-Z gravou há dois anos. Divirtam-se com o clipe, farto em todos os sensacionalmente ridículos excessos dos anos 80.

3-Rolling Stones – “Mothers Little Helper” (1966)

As “pequenas ajudantes das mães” citadas na letra e no título eram as diferentes pílulas que muitas donas de casa dos anos 1960 acabavam tomando – de anti-depressivos a vai saber mais o quê - para aguentar suas vidas cinzentas e maridos sufocantes. No começo, no meio e no final da canção sobre as mamães trincadas soa o lamento “what a drag is getting old!” (algo como “que saco é envelhecer!”). Afinal, tomar bola para aguentar o tranco costuma ser um hábito de gente mais crescidinha.

2-Titãs – “Não Vou me Adaptar” (1985)

“Eu não caibo mais nas roupas que eu cabia/ Eu não encho mais a casa de alegria/ Os anos se passaram enquanto eu dormia”. Palavras sinceras e inseguras de Arnaldo Antunes, que de quebra ainda as encaixou em uma das melodias mais grudentas dos Titãs. Ainda um octeto e em plena forma, aqui eles protagonizam um memorável playback no pré-histórico “Globo de Ouro”.

1-The Who – “My Generation” (1965)

Na mesma medida em que Paul McCartney foi notícia ao completar 64 anos por causa de sua “When I’m Sixty Four” (ausente desta lista por não necessariamente reclamar da idade madura), Pete Townshend também rendeu manchetes quando passou dos 60. Teve que explicar novamente o verso mais famoso desta pedrada mod: “I hope I die before I get old” (“espero morrer antes de ficar velho”).

O vídeo repassa um dos grandes momentos da história do rock, experimentado por quem definitivamente não esperava chegar à sexta, ou até mesmo à quinta década de vida. No minuto 3’49’’ Townshend e o selvagem Keith Moon -morto aos 32 - começam a sua tradicional quebradeira de instrumentos; 35 segundos mais tarde, explode a segunda bomba posta secretamente por Moon em seus bumbos, o que deixa o guitarrista parcialmente surdo; e, antes do final, enquanto Moon rasteja pelo chão do estúdio, Townshend arranca o violão do apresentador e o destrói.

Eita geração aquela.

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Dia dos Namorados

2011-06-09T14:52:00.000-07:00

Se, por um lado, a música costuma ajudar na formação de grandes casais, alguns casais têm o dom de gerar grandes canções. Ou simplesmente ilustram à perfeição momentos sonoros importantes. É neste domingo o Dia dos Namorados, portanto nada mais listável do que as parejas musicais mais marcantes, cada qual à sua maneira.

Em comum, além do carisma conjunto, as amorosas duplas deste top 10 possuem o fato de terem produzido algo com a participação de ambos os cônjuges. Ou seja, excluem-se pop couples da laia de Syd Vicious e Nancy Spungen (ela não passava de uma piranha, jamais cantou, tocou ou gravou algo). Também não vale o casal aí de cima, genial, mas sobre o qual a gente já não aguenta mais falar.

*Os nomes dos fotógrafos aparecem quando o crédito está disponível na rede.

10- Bob Dylan e Joan Baez (o mais cabeça)

No belo documentário “No Direction Home” (2005), Joan Baez confessa a Martin Scorsese que nunca entendeu qual era, afinal, a de Bob Dylan, seu namorado no começo dos anos 1960. Eu sim, pelo menos no que diz respeito a este relacionamento: Joan podia até ser bonita e uma personalidade precoce do folk, mas levava tudo a sério demais e sua voz aguda beirava o insuportável. Tirado de outro documentário essencial, “Don’t Look Back”, (1967), de D. A. Pennebaker, o trecho a seguir mostra o descaso de Bob pela colega, datilografando enquanto ela canta. Pura neurose intelectual.

9-Baby “Do Brasil” Consuelo e Pepeu Gomes (o mais hiponga)

Morando coletivamente com os Novos Baianos, fabricaram filhos e filhas, todas elas com o bocão e sem o talento da mãe. O casamento durou dezoito anos até que a hoje evangélica Baby, segundo seu próprio site, “foi procurar a espiritualidade, e eles já eram praticamente irmãos”. Conversões religiosas e quedas de libido à parte, o que importa é que a vida antes fora uma grande festa, em clima de churrascão – será que transavam carne? –, como no vídeo abaixo.

8-John e Alice Coltrane (o mais transcendental)

Foto: Chuck Stewart

Quando Trane embarcou no free jazz, Alice pegou o primeiro avião com destino à insanidade do marido, convertendo-se em pianista de seu grupo em alguns dos momentos mais radicais. Provavelmente se cansara do segundo plano na vida do maior saxofonista da história que, naquele período, podia facilmente gastar meia hora em um único solo.

7-Kurt Cobain e Courtney Love (o mais podreira)

Esqueçam as teorias da conspiração (Kurt ghostwriter do Hole, Courtney assassina do marido). Afinal, os grunge sweathearts dividiam não apenas o leito e as seringas, mas também a responsa de encabeçar duas bandas de peso na era da camisa de flanela. Este raro dueto garantiu a vaga no top 10.

6-Ike e Tina Turner (o mais barraqueiro)

Ele batia. Ela consentia. Isso era legal? Não. Mas tal boxe matrimonial integrava uma misteriosa e doentia dinâmica: no palco – e imagino que na cama, na pia, na mesa da cozinha - Ike e Tina eram insuperáveis.

5-Ira Kaplan e Georgia Hubley, do Yo La Tengo (o mais fofo)

No livro “Perfect From Now On” (2007) o indie-maníaco John Sellers relembra quando foi ao cinema com a namorada e viu de perto, na mesma sala, o casal que compõe dois terços do Yo La Tengo. Sellers e sua garota fantasiaram, então, que estavam em um double date com a baterista/cantora Georgia e o guitarrista/cantor Ira. Sellers só não menciona se os pombinhos haviam chegado de bicicleta à sessão.

4- Gillian Gilbert e Stephen Morris, do New Order (o mais discreto)

Se pensarmos bem, em termos de presença de palco o New Order foi o primeiro grupo shoegazer do rock. O menos tímido dos quatro integrantes, o baixista Peter Hook, estava longe de ser a pessoa mais desinibida do mundo, e o vocalista Bernard Sumner não sabia o que fazer com o próprio corpo. Imaginem então a desenvoltura do resto da hoje finada banda de Manchester, leia-se o casal aí da foto. Engraçadinhos, criaram o projeto The Other Two após Hook montar o Revenge e Sumner cantar no Electronic. Há uma década, Gillian se aposentou como tecladista para cuidar de sua filha com Stephen. Neste clássico newordeano, é ela quem pilota compressores sem dar um pio, enquanto o marido, muito na miúda, aperta um ou dois botões de um rudimentar teclado-sampler.

3-Serge Gainsbourg e Jane Birkin (o mais safado)

Reza a lenda que os gemidos de Birkin na eterna “Je T’aime... moi non plus” foram resultado de um orgasmo real. O assunto é bastante debatido, aliás, em outro livro da pesada, a biografia de Serge por Sylvie Simmons, editada no Brasil como “Um Punhado de Gitanes”. Não importa se a musa dos dentes separados gozou ou fingiu. A dupla que deu ao mundo Charlotte Gainsbourg se dispunha a tudo, até mesmo a este ménage à trois musical com a cantora e atriz francesa Sylvie Vartan.

2-Kim Gordon e Thurston Moore, do Sonic Youth (o mais cool)

Papai, Mamãe e Filhinha em "Gilmore Girls"

Coco Hayley Gordon Moore. Um nome de batismo como este já renderia à adolescente que o detém - dezessete anos completos em julho - o status de garota mais invocada da escola. Se o resto da classe souber, ainda, que os pais dela são Kim Gordon e Thurston Moore, choverão convites dos neo-indies de plantão para o prom do ano que vem. “You look fabulous today, Mrs Gordon; nice to talk to you again, Mr. Moore”, balbuciará o escolhido, trêmulo.

1- Mimi Parker e Alan Sparhawk, do Low (o mais...uncool!)

Cool mesmo é ser uncool. Ou o cool é o novo uncool. Prova irrefutável de minhas teorias niilistas é a discrepância entre o estilo de vida e a música que produz este casal. Mimi se veste com o decoro e a falta de sex appeal de uma secretária de repartição pública do centro de São Paulo; Alan tem nos olhos a imprevisibilidade perigosa de um louco de bairro. Durante a semana, revezam-se ao volante de uma van, levando instrumentos, material escolar e dois filhos na bagagem, rumo aos festivais mais badalados dos Estados Unidos, quando não da Europa. De volta à casa em Duluth, Minnesota (terra de Bob Dylan), aos domingos pulam da cama para ir à igreja Mórmon mais próxima. Sim, Mimi e Alan são mormons. Sempre às voltas com os fantasmas que, em 2005, o levaram a uma internação para tratamento psiquiátrico, ele escreve versos cortantes tal qual uma faca. Que ambos interpretam - presenciei mais de uma vez – como se o mundo estivesse mesmo para acabar, ela tocando prato e caixa com inéditos desinteresse e preguiça, ele enchendo o ar com os trêmulos de sua guitarra. Duvidou? Assista à dupla tocando “Dragonfly”, em trecho do imperdível documentário “You May Need a Murderer”, sobre a banda.

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Futebol Arte

2011-05-30T16:16:00.000-07:00

Sábado, 21h30, Parc del Fòrum, Barcelona. Festival Primavera Sound. Os dois telões do palco onde o Mogwai termina de passar o som para tocar dali a três horas, em sincronia com um terceiro providenciado para a ocasião, interrompem a transmissão ao vivo da final da Liga dos Campeões quando acaba o primeiro tempo. Enquanto milhares de torcedores do Barça digerem o golaço de empate de Rooney e os do Manchester United – também bem representados - vão buscar mais cerveja, a tagarelagem do narrador catalão cede espaço a uma peculiar e doce voz. “Acho que é Robert Wyatt! Robert Wyatt!” exclamo para meus botões, voltando do bar. Pergunto a meu amigo e vizinho Edmundo ali presente e ele confirma: “é. É Robert Wyatt isso que está tocando”.

Recapitulo mentalmente algumas músicas que soaram em intervalos de jogos nos quais fui ao longo da vida, a espinha gela: uma espécie de country infantil de minha primeira ida ao estádio, um Corinthians e São Paulo no Morumbi em 1985 (o refrão era algo como “aulei-lei, fiu-fiu”); o axé “Arerê”, da Banda Eva, em uma outra edição do clássico no mesmo estádio em 1998 (as torcidas aproveitavam a melodia para adaptar seus insultos mútuos); e uma balada sertaneja gospel, cuja letra louvava Jesus (pronunciado em inglês, não sei por que, “Jiiiii-zas”) de um Corinthians e Portuguesa no Pacaembu em 2006.

Penso que este só pode ser o melhor intervalo de jogo da minha história. Às minhas costas o sol está acabando de se por no Mediterrâneo, há espaço para todos sentarem, o Mogwai fará seu número transcendental em breve (e abocanhará mais uma vez o caneco do festival, puxando um top 5 com: 2-The Glenn Branca Ensemble, 3-PIL, 4-Fleet Foxes, 5-Flaming Lips), PJ Harvey estará no outro palco e o futebol arte do Barcelona chegará na segunda etapa a tal nível que deixará o MU de Rooney parecendo o XV de Jaú de Wilson Mano. De quebra, o poderoso P.A. emite as delicadas notas de Robert Wyatt, uma figura que, não fosse por seus problemas logísticos – está numa cadeira de rodas há quatro décadas – poderia tocar no Primavera e sair ovacionado como os gols de Pedro, Messi e Villa.

O jogo acaba, o Barça ganha, o baterista do Mogwai, Martin Bulloch, tira fotos dos culés e veste sua antiga camisa azul-grená. O baile de bola inspira a banda que, com o angular sotaque escocês do guitarrista Stuart Braithwaite, dedica a música “Mogwai Fears Satan” a Pep Guardiola. Inspira também este blog a compilar os melhores momentos da outra forma de futebol e arte se encontrarem: nas capas de discos.

*Não valem álbuns de boleiros que se meteram a cantar, como Pelé, para não ficar muito óbvio. Também ficam de fora as capas de trilhas sonoras de filmes sobre futebol, como a que o próprio Mogwai fez para a película “Zidane: a 21st Century Portrait”.

10-Mano Negra – “Santa Maradona (Larchuma Football Club)” (single - 1994)

Não ficou exatamente artística a ideia da banda de Manu Chao. Mas metaforiza rudemente toda a nitroglicerina do homenageado na música.

9-Ratos de Porão – “Brasil” (1989)

Ainda mais propositalmente tosca, levanta a velha discussão sobre o futebol ser o “ópio do povo” em países como o Brasil. O número de discos tupiniquins nesta lista (sete) seria um indício? Ora, cale a boca e saia da frente da TV!

8-João Bosco – “Linha de Passe” (1979)

Eu diria que a referência aqui foi Dalí, ou quem sabe Magritte. Tudo fica ainda mais estranho se observarmos o barbudo Bosco tentando cabecear a lua.

7-João Nogueira – “O Homem dos Quarenta” (1982)

Embora o aperto na calça do saudoso sambista sugira o contrário, o que ele quis passar nesta montagem foi o quanto era descontraído, relaxado. E, reparem, entre uma saudação a uma arara - ! -e uma bela espichada em uma rede, eis que aparece o cantor jogando uma pelada com a camisa do Flamengo.

6-Hurtmold – “Hurtmold” (2007)

Há um dinossauro verde pedindo a pelota. Talvez por isso o zagueiro adversário se manifeste plantando uma bananeira. Opa, peralá, não é a Monga lá no gol? Seja bem-vindo ao Futebol “Arty”.

5-Junio Barreto – “Junio Barreto” (2004)

Quando me dei conta que em cima da banquinha tremulava uma bandeira do Central de Caruaru – o sofrido time do caruaruense Junio -, quase fui procurar a caixinha de botões que tinha do clube na infância. É sério.

4-Novos Baianos – “Novos Baianos F.C.” (1973)

“Fazendo música, jogando bola”, cantariam mais tarde Pepeu e Baby. Eu acrescentaria o verso “comendo banana”, tamanha a fartura das árvores posicionadas atrás da meta.

3-Jorge Ben – “Jorge Ben” (1969)

Fetiche de várias letras de Jorge como suas mulheres Tereza e Domingas, o Flamengo tinha que aparecer também numa capa de álbum do cara. E assim foi, em grande estilo.

2-John Lennon – “Walls and Bridges” (1974)

Diz a assinatura: “John Lennon, age 11”. É ele, sempre ele, o futebol, que povoa a totalidade do imaginário dos meninos até a chegada da mulherada, a música e a cerveja. Depois o interesse ludopédico, ficando na casa dos 85 ou 90%.

1-The Wedding Present – “George Best” (1987)

Lembra do Manchester United lá de cima? Pois então, embora tenha sido feito de bobo pelo Barça, sua casca é tão grossa que seus grandes heróis são também ícones pop. Um dos maiores, o norte-irlandês George Best, foi parar no nome e na capa deste álbum. Continua duvidando do tamanho da encrenca que são os Red Devils? À época do lançamento da bolacha, Alex Ferguson já estava no comando da equipe, à frente da qual ainda continua. Calcule quantos treinadores já passaram pelo banco de seu time neste período, vá ao banheiro, vomite, e depois volte ao que estava fazendo.

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A gente é diferenciada. E o metrô, pop

2011-05-14T15:22:00.000-07:00

Se para cada abobrinha escrita sobre a existência ou não de uma nova estação de metrô em Higienópolis tivéssemos um metro a mais de transporte subterrâneo em São Paulo, a cidade já estaria conectada com a lua. Sem baldeação na Sé.

E como o expresso da baboseira vem com todos os vagões lotados, este blog aproveita para desviar a outra linha. Não sem antes homenagear esta maravilhosa invenção chamada metrô que, antes de desmascarar entusiastas do apartheid social ou antissemitas enrustidos, já brilhava em belas capas de discos. Todas elas criadas por e para gente muito, mas muito diferenciada.

10-Roy Nathanson – “Subway Moon” (2009)

Foi só falar em metrô na lua que alguém já se encarregou de concebê-lo.

9-Madness – “Absolutely” (1980)

Outros preferem um projeto de transporte público mais palpável, tal qual a estação de Chalk Farm, no bairro londrino de Camden...

8-Joe Bataan – “Subway Joe” (1968)

...enquanto alguns nem se importam em mostrar sua localização.

7-Audio Bullys – “Ego War” (2003)

Uma europeia clássica: você voltando da balada no metrô, vendo duas versões de cada marmanjo que sacode na sua frente...

6-Three Dog Night – “Three Dog Night with The London Symphony Orchestra” (2002)

...ou simplesmente não vendo ninguém mais.

5-Michael Jackson – “Bad” (single – 1987)

Passei meus 8 anos desejando saltar catracas como Michael fazia no clipe desta música. Pena que só a capa do single tenha a foto da gangue inteira. E mais lamentável ainda a ausência do bando rival, liderado por um relativamente temível Wesley Snipes.

4-Barenaked Ladies featuring Erin McCarley– “Every Subway Car” (single - 2010)

Poderia servir de catálogo de exposição na hora de licitar uma nova estação: “vai uma grafitada no estilo Nova York aí?”.

3-Seychelles – “Ninfa do Asfalto” (2005)

Ana Rosa, Conceição, Madalena. Quem seria a Ninfa do Asfalto?

2-Ramones – “Subterranean Jungle” (1983)

Um retrato fiel da Nova York insegura, suja e – dizem – insuperável pré-Giuliani. Parece até que Marky, Johnny, Dee Dee e Joey estão esperando a chegada de Charles Bronson (Charlie Ramone) para resolver a situação.

1-The Velvet Underground – “Loaded” (1970)

Com ou sem Andy Warhol (sem, neste caso), é difícil superar o estilo e a elegância das capas desta banda.

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Trabalho, louco trabalho

2011-04-29T05:22:00.000-07:00

O Dia do Trabalho é feriado internacional. Um paradoxo que já me fez pensar: será que inventarão também o Dia do Feriado, no qual todos teremos que trabalhar?

Independentemente de contradições como esta, em 2011 o ilustre Primeiro de Maio coincide com um domingo. O que, para amantes de feriados como eu, é bastante broxante.

Só aumenta a vontade do Mala da Lista de reunir as cinco canções mais reclamonas sobre esta antiga mania do ser humano, o Trabalho. Um playlist para vagabundos convictos, workaholics arrependidos ou simplesmente vítimas da “correria”, pronto também para servir de trilha sonora para as não menos tradicionais manifestações ocorridas neste dia pelo mundo afora.

5-Ramones – “This Business is Killing Me” (1981)

Para o segundo quarteto mais cultuado do rock, as canções deveriam expressar os pontos de vista de um eterno moleque. Desprezar as obrigações e aborrecimentos de uma vida laboral adulta naturalmente se enquadra nesta ética, lado a lado com o amor por canções pop descartáveis, quadrinhos, as drogas e espírito baderneiro.

4-Dead Kennedys – “Take This Job and Shove it” (1986)

Quem já teve vontade de estalar a palma na mesa do chefe, puxá-lo pela gravata e lhe dizer “pega este emprego e enfia no teu rabo” precisa escutar esta canção. Ainda mais no insano galope dos aproximadamente 2.500 BPM desta versão dos Dead Kennedys, o estímulo final para a pedida do bilhete azul que faltava na original, do astro honky-tonk Johnny Paycheck.

3-Mundo Livre S/A – “Livre Iniciativa” (1994)

“Trabalho, trabalho, novo trabalho” é o refrão deste clássico do manguebit (ou manguebeat). Eu até hoje achava que era “trabalho, trabalho, LOUCO trabalho”, o que daria um sentido ainda mais direto à música neste post. Mesmo assim, “Livre Iniciativa” fala de largar tudo e abraçar o jeito “fácil” de se ganhar dinheiro, com “uma arma fumegante na mão, uma ideia na cabeça”. Reparem na presença da loura Syang na guitarra – então integrante da banda de metal PUS – e Otto, ainda no posto de percussionista da banda recifense, conseguindo se parecer simultaneamente a dois personagens de Monteiro Lobato: a boneca Emília e o Visconde de Sabugosa.

2-The Clash – “Career Opportunities” (1977)

Joe Strummer e Mick Jones compuseram isto quando a Inglaterra ia mal das pernas e o desemprego “baixastralizava” geral a juventude do país, que se recusava a encarar qualquer tipo de trampo (“do you really wanna be a cop?”, perguntavam). E, exceto quando menciona o emprego de servidor de chá na BBC?, a letra bem que serviria para a atual conjuntura da Espanha, por exemplo. Onde para muita gente, como lembra o refrão, “career opportunities are the ones that never knock”.

1-Tim Maia – “Sossego” (1978)

Os gênios vão direto ao ponto. Aqui, isso significa não só uma linha de baixo perfeita só de duas notas e um arranjo de metais que todo mundo sabe de cor, mas também uma poética anti-trabalho hilariamente sem frescura. Que fica ainda mais perfeita quando misturada às gargalhadas de Tim, brindando à vagabundagem como um Jabba The Hutt salivante diante de uma nova presa.

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Coelhos do Rock

2011-04-18T08:44:00.000-07:00

No ano passado, um ranking do Mala da Lista sobre o maior ícone da Páscoa teve que ser engavetado porque o feriado cristão coincidiu com 1º de abril, o Dia da Mentira. A piada não poderia ser perdida. Mas em 2011, período que pelo menos um quinto da população mundial considera o Ano do Coelho (assim determina o Horóscopo Chinês, da mesma forma que antes estávamos no Ano do Tigre), não dá mais para adiar.

Portanto, concorrendo com anúncios de insossas colombas pascais que você já viu na TV e cabeçadas em ovos de chocolate Garoto que você já deu na padaria, aqui vai o Top 10 Referências Musicais ao mais fofo dos lagomorfos (acabei de ver na internet): o coelho.

10-O disco “Jive Bunny: The Album”, de Jive Bunny & the Mastermixers (1990)

Quem viveu 1990 dançou “Swing the Mood”, o mash-up que os produtores John Pickles e Ian Morgan fizeram de vários hits originalmente lançado entre os anos 1930 e 1950, e que abria o disco do “Coelho Jive”. No pastiche entrava desde “In The Mood”, da big band de Glenn Miller, a “Hound Dog”, do Rei Elvis, passando por vários outros. Viraria rapidamente a faixa-sinônimo de festas de “firrrma”, mas serviu bem para apresentar um incrível repertório a uma nova geração.

9-O álbum e a música “Enjoy Your Rabbit”, de Sufjan Stevens (2001)

Em seu ávido apetite por projetos conceituais, o geninho Stevens quis brincar aqui com justamente ele, o Horóscopo Chinês. Curiosamente, batizou faixas instrumentais com onze dos doze signos, deixando de fora justamente o Ano do Coelho. Para o simpático super-reprodutor ele reservou foi mesmo o mais cruel dos destinos, a mesa, nomeando música e disco com um “ aproveitem o coelho”. O som lembra King Crimson.

8-A capa do disco “Presto”, do Rush (1989)

O Rush passara a década de 1980 explorando um som sintetizado que deixava os teclados em total evidência. Por isso eu, como muitos outros jovens aprendizes de baterista, só caí no tradicional encantamento por Neil Peart quando o trio canadense voltou a um rock mais orgânico com a bolacha “Presto”. E, tal qual os coelhos que saem da cartola nesta capa, as viradas do baterista iriam ocupar minha mente durante alguns bons anos.

7-Bunny Wailer e Bunny Lee, os “coelhos” jamaicanos

Aparentemente, na Jamaica pega bem o apelido “Coelho”. Dois dos maiores representantes da riquíssima música daquela ilha, ainda vivos, são chamados assim: Bunny Wailer, que fundou ninguém menos que os Wailers com Bob Marley e Peter Tosh – compondo ao lado deles um irresistível trio de ska e depois a santíssima trindade do reggae -, e o não menos lendário produtor Bunny “Striker” Lee, que entre outras peripécias foi um dos inventores de um tal de dub (ele aparece em pé atrás da mesa de controle no segundo vídeo, dirigindo a gravação de Delroy Wilson).

6-A música “White Rabbit”, do Jefferson Airplane (1967)

“Quando chegar nesta parte, jogue a porra do rádio na banheira!!!”. Em uma das inesquecíveis passagens de “Fear and Loathing in Las Vegas”, a ultralisérgica adaptação cinematográfica de Terry Gilliam para o livro homônimo de Hunter S. Thompson, Dr. Gonzo, o “advogado” suíno vivido por Benicio del Toro está tão dopado que pede para seu amigo Raoul Duke (alter-ego do próprio Hunter, interpretado por Johnny Depp) o matar eletrocutado enquanto escuta o clássico do JA. A faixa ajuda, citando cogumelos e outras substâncias alteradoras de consciência, além de fazer referências ao Coelho psicodélico de “Alice in Wonderland”, de Lewis Carroll. Assista o trecho até o final, quando Duke finge que joga o aparelho na água enquanto Gonzo guincha e estrebucha na banheira.

5-O livro “The Death of Bunny Munro”, de Nick Cave (2009)

Não contente com seu talento para compor, cantar e redigir roteiros, Nick Cave ainda escreve livros, e bem. No mais recente, o australiano descreve com detalhismo ácido as andanças de Bunny Munro, uma espécie de caixeiro viajante moderno entregue à devassidão de suas clientes. Leva a tiracolo o filho Bunny Jr. e, quando não está fazendo nada, pensa “na vagina de Avril Lavigne”.

A bonitinha capa “oficial” é esta:

Mas a da edição espanhola, que li, traz o seguinte layout:

4-A canção “Honey Bunny”, de Vincent Gallo (2001)

E já que falamos em artista multidisciplinar, outro que joga nas onze posições é Vincent Gallo. Verdade seja dita que o lado cantor e compositor do garanhão cult americano, um choque entre John Frusciante e Chet Baker, é bem mais preguiçoso do que o ator e diretor – não grava nada desde 2002 -, mas seu álbum “When” traz algumas preciosidades. A maior delas, “Honey Bunny”, é uma das mais belas e tristes baladas já escritas. O clipe-curta é igualmente marcante, com garotas conhecidas que ele provavelmente pegou, entre elas Paris Hilton (também homenageada por ele na faixa “I Wrote This Song for The Girl Paris Hilton”), exibindo suas bundas sobre uma plataforma giratória. Nomear pessoas e coisas como “Coelha”, aliás, é uma constante na vida e obra de Gallo, que tocou em uma banda chamada Bunny e dirigiu e atuou no filme “Brown Bunny” (2003), aquele da famosa cena de sexo oral explícito dele com Chloë Sevigny.

3-A música “Bichos Escrotos”, dos Titãs (1986)

“Oncinha pintada, zebrinha listada, coelhinho peludo: vão se foder!”. O êxtase e a libertação que o palavrão musicado provocava quando escutado em festinhas – no rádio a faixa foi censurada – eram tão fortes que não dava nem para ter pena do tal bichinho felpudo citado na letra.

2-O clássico “Breathe”, do Pink Floyd (1973)

A banda inglesa não foi a única a trazer para o mundo das artes a expressão “run, rabbit run” ou suas variáveis - do escritor John Updike ao grupo Fleet Foxes, não faltam exemplos – mas poucas vezes ela se enquadrou tão bem nas estrofes de uma canção. Na voz de David Gilmour, ela metamoforiza o trabalho diário mecânico e muitas vezes sem sentido que, como sentencia o último verso, nos faz “correr rumo à uma tumba prematura”. Perfeita para abrir o indispensável álbum “The Dark Side of the Moon”. E executada com maestria no último reencontro do grupo, em 2005, antes da morte do tecladista Rick Wright.

1- A banda Echo & the Bunnymen

“Echo” era o nome da bateria eletrônica com a qual Ian McCulloch e companhia gravaram suas primeiras demos, antes de contar com um ser humano nas baquetas. “Bunnymen”, ou “Homens Coelho” era a pretensão da banda de Liverpool de não ser levada extremamente a sério (embora se comportasse exatamente da maneira oposta). Combinações de palavras infames à parte, seus autores atravessaram inúmeras mudanças de formação, decadência e morte (do baterista Pete de Freitas), mas continuam distribuindo magia pelos palcos. No fim de maio tocam aqui pertinho, em Montjüic, como parte do sempre apetitoso festival Primavera Sound (opa, os supracitados Nick Cave e Sufjan Stevens também).

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Korean Wedding

2011-03-29T09:32:00.000-07:00

"Falem agora ou calem-se para sempre"

Desembarco novamente em São Paulo esta semana por dois nobilíssimos motivos: os casamentos de dois amigões do peito com suas respectivas e queridas musas.

Se bem que, como já disse a ambos, ainda desconfio de que esta história de marcar duas bodas em apenas sete dias seja uma armadilha. Na hora H, nos avisarão de que na verdade se trata de uma festa só, com contração de matrimônio coletiva, como fazem os coreanos aí de cima (imagem do Global times), e que posaremos todos para a foto final a ser enviada a uma disputa do Guiness Book.

Com ou sem o elemento “massive wedding” na jogada, fato é que o novo ranking do MDL não poderia fugir do altar. Assim que, voluptuosas como os goles de uísque que tomarei e sinceras como as juras de amor eterno aos amigos que farei, aqui vão as Top 10 capas de disco com noivas, noivos e companhia. Saúde!

10-Duran Duran –“Duran Duran” (1993)

A banda inglesa achou que estava abafando quando escolheu esta capa. Mas, como veremos no resto da lista, o conceito do outrora conhecido como “Wedding Album” não trazia grandes novidades.

9-The Dixie Cups – “Chapel of Love” (1964)

Arte adequada para este hit açucarado de coautoria de Phil Spector. Cujo refrão “going to the chapel and we / are going to get married”, aliás, embalou as esperanças de moçoilas também em gravação de Darlene Love.

8-Leon & Mary Russell – “Wedding Album” (1976)

Hoje com pinta de Hermeto Pascoal, Leon fez recentemente um disco com Elton John. Mas quando parecia um cruzamento de Robert Plant com Jeffrey Lebowski, era com Mary que ele gravava. Era com ela que casava e era ela quem ele apertava, também.

7-Coletânea – “Sex in the70’s” (anos 1970)

O blog LP Cover Lover, sobre o qual já falei antes, vive desenterrando capas que o mundo precisa conhecer. Esta ilustra um disco falado, com aconselhamento sexual a jovens da década de 1970. Mas a julgar pelas histórias que escutamos sobre como funcionavam as coisas naqueles tempos, a imagem da noivinha inocente entregue ao janjolão está comparativamente mais para década de 1930 ou 1940.

6-Depeche Mode – “Some Great Reward” (1984)

Isso sim que é romantismo: casar atrás de um armazém abandonado.

5-John Lennon and Yoko Ono –“Wedding Album” (1969)

Mais um “Wedding Album” para a coleção. Este com direito a saiota da noiva. Kill Yoko, diria umas das noivas do nosso Korean Wedding.

4-Julieta Venegas – “Sí” (2004)

Embora nesta foto Julieta não tenha saído favorecida, é difícil encontrar alguém por aí que não diria “sim” à americana-mexicana.

3-Pulp – “A Different Class” (1995)

Reparem na palidez de alguns dos “convidados”. São cartazes de papelão com imagens de Jarvis Cocker e os outros integrantes da banda. Eles parecem mortos.

2-Sparks – “Angst in My Pants” (1982)

Responsável por estranhos álbuns com capas ainda mais estranhas – em breve, outras por aqui – a estranha dupla americana Sparks encarou com véu, bigode e grinalda a entrada para a maturidade.

1-Mamma Cadela – “Mamma Cadela em Busca da Verdade” (2006)

No mais clássico espírito de banda, ninguém tirou o seu da reta. Todo mundo para o altar, e é pra já. A agenda é passagem de som, casório, show, X-músico e bora para a lua-de-mel.

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Batalha das Homônimas

2011-03-14T04:08:00.000-07:00

A era dos MP3 trouxe à tona novos enigmas pop. Com a possibilidade da organização de arquivos por ordem alfabética, volta e meia nos vemos diante de canções e até álbuns diferentes entre si e que possuem exatamente o mesmo nome. Sobretudo canções.

Elas podem ter sido pensadas para ritmos e melodias que não tenham nada a ver uns com os dos outros; muitas vezes falam sobre diferentes assuntos (ou simplesmente não dizem nada, quando instrumentais); e são cantadas ou tocadas por artistas que não raro nunca ouviram falar um do outro. Mas guardam este mistério de serem homônimas.

O Mala da Lista selecionou algumas destas improváveis duplinhas, o que acabou resultando numa agradável e eclética jukebox virtual. As “gêmeas” aparecem classificadas pelo quão boas são enquanto “time”. Sem mais blablablás, portanto, eis a Batalha das Homônimas. Escolham as suas favoritas (eu já escolhi; é sempre a que vem em primeiro).

*Não valem, por hora, composições com nome de gente. Isso fica mais para frente.

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10-“Coney Island Baby” - Tom Waits (2002) x Lou Reed (1976)

9-“Express Yourself” - Charles Wright and the Watts 103rd Street Rhythm Band (1970) x Madonna (1989)

8-“Hackensack” - Thelonious Monk (1954) x Fountains of Wayne (2002)

7-“Peek-a-Boo!” - Devo (1982) x Siouxsie and the Banshees (1988, sem exclamação)

6-“Unity” - Desmond Dekker (1968) x Afrika Bambaataa & James Brown (1984)

5-“The Fly” - David Axelrod (1969) x U2 (1991)

4-“Hallelujah” – Happy Mondays (1989) x Leonard Cohen (1985)

3-“Today” – The Smashing Pumpkins (1993) x Jefferson Airplane (1967)

2-“What’s Going On” - Marvin Gaye (1971) x Hüsker Dü (1984)

1-“Money” - Barrett Strong (1959, também conhecida como “That’s What I Want”) x Pink Floyd (1973)

Virilhas em fúria

2011-03-03T12:29:00.000-08:00

No Carnaval do ano passado, os álbuns com capas estampadas por peladões foram tema de Ziriguidum, Telecoteco, samba-enredo-post do Grêmio Recreativo e Escola de Samba Lá Vem o Mala da Lista.

Mas como o ímpeto dos artistas por escandalizar visualmente não se restringe às manifestações de nudez, o blog escolheu para a versão 2011 de sua folia um ranking que não faria feio numa exposição no baile do Ilha Porchat Clube.

Estamos falando delas, as virilhas, que também adoram comparecer como destaque não só na Sapucaí, mas também numa boa capinha de disco. Dizem que a bunda é a paixão nacional. Mas a julgar pela presença de nomes brasileiros nesta lista, a nossa obsessão pela região pubiana pode competir de igual para a igual com o afã pela glútea (a qual homenagearemos mais para frente). Popozudas, tremei!

10-Cássia Eller – “Com Você... Meu Mundo Ficaria Completo” (1999)

Na comissão de frente, Cássia Eller trocando os habituais jeans surrados por um momento mais... Hope. Ou Zorba, quem sabe. Memorável.

9-Montrose - “Jump on It” (1976)

O bloco caminha com nota 10 em harmonia. Com direito a um farto close, a cargo da banda que Sammy Hagar tinha antes do Van Halen.

8-Queens of the Stone Age – “Queens of the Stone Age” (1998)

Abram alas para uma candidata a Rainha da Bateria...

7-The Rolling Stones – “Sticky Fingers” (1971)

...ou para Andy Warhol, que também quer cair no samba. É do guru popartista esta ode à calça apertada, que teve até versão com zíper de verdade protuberante.

6-Ney Matogrosso – “Mato Grosso” (1982)

Jeans separador de testículos? Não conte com o velho Ney, militante do MELV, Movimento Enxaguador e Libertador e de Virilhas.

5-Caetano Veloso – “Araçá Azul” (1972)

E não espere menos de Caetano ,que, preocupado com o quesito alegoria trouxe até um espelho para acertar o cavamento.

4-Black Crowes – “Amorica” (1994)

Reza uma lenda urbana do Esquindô-Esquindô que, na transmissão de um desfile de Escolas do Rio nos anos 1980, um diretor de TV da Globo emitiu a seguinte ordem a um cameraman: “foca na Prochaska”. Ele se referia, ora-mas-é-claro, à atriz Cristina Prochaska, que requebrava na passarela. Na interpretação do cinegrafista, porém, “prochaska” significava tudo menos um sobrenome vindo do Leste Europeu, e a imagem resultante foi algo mais ou menos assim.

3-Gal Costa – “Índia” (1973)

Os Doces Bárbaros não estavam mesmo para brincadeira naqueles tempos. Um ano após ver seu amigo caetanear a sunga, Gal respondeu prochasqueando a tanga. Ou algo do gênero.

2-The Charque Side of the Moon – “The Charque Side of the Moon” (2008)

O repertório de “The Dark Side of the Moon”, do Pink Floyd, transposto para ritmos do Pará, foi pouco. Para seu idealizador, Luiz Felix, era preciso colocar mais coisas em seus devidos lugares. A começar pelo famoso triângulo prismático.

1-Ringo Starr – “Ringo The 4th”

Se estivéssemos presos ao quesito evolução, a tendência é que este primeiro lugar fosse abocanhado por alguma trilha sonora de filme pornô ou audioguia de aula de anatomia. Mas o caneco vai para Ringo, que se não conseguiu até hoje fazer sucesso em carreira solo, pelo menos pode dizer que algum dia investiu no quesito fantasia para, de espada em riste, mostrar quem é que manda quando o assunto é virilha.

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Separados no Nascimento II: Cinema x Música

2011-02-22T08:20:00.000-08:00

Bob Dylan, Mick Jagger e Cee-Lo como atrações, homenagem a Aretha Franklin, consagração do Arcade Fire. Nem com tudo isso o Grammy Awards 2011, que rolou no domingo retrasado, escapou de sua anual exposição de chatice e caretice. O Oscar, previsto para o próximo, será igualmente previsível e só um dedinho menos conservador do que seu primo musical.

Então o que nos resta, em termos de listas apropriadas minimamente divertidas, neste dia intermediário às duas concorridas galas?

Ora, mas é claro: o top 10 Separados no Nascimento Cinema-Música!

Em sua segunda edição de acasalamento de sósias – a primeira foi de Futebol-Música no especial Copa 2010 – o Mala da Lista buscou os irmãos gêmeos perdidos destes dois mundinhos tão queridos. Priorizaram-se os casos naturais, e não os premeditados para biopics, ainda que bem sucedidos (Charlie Parker reencarnado em Forest Whitaker, Jamie Foxx como Ray Charles ou o genial Bob Dylan cross dresser de Cate Blanchet). Teste de DNA neles!

*Diagramação e pitacos na escolha das fotos: Anita Cortizas. Oscar de Edição e Fotografia para ela.

10-Stephen Lang (o Coronel malvadão de “Avatar”) x Adam Clayton (U2).

O bem venceu o mal no final de “Avatar”, o que significou a aniquilação do coronel linha-dura Miles Quarithc, o humano mais empenhado em exterminar os esbeltos seres azuis feitos de amor e computação gráfica. Agora o ator Stephen Lang pode, portanto, juntar-se a Bono, The Edge e Larry Mullen Jr. caso o baixista Adam Clayton um dia trave as costas ou pegue uma virose durante uma dessas megaturnês do U2.

9-Denzel Washington x Sam Cooke

A overdose de autoconfiança no olhar de ambos é tamanha que as semelhanças transcendem os sorrisos brancos, e a conexão entre os dois ultrapassa a cena de “Malcolm X” em que o ativista (vivido por Washington) percebe que está sendo seguido enquanto soa ao fundo a eterna “A Change Is Gonna Come”, de Cooke. Não por acaso, circulam rumores sobre a escalação de Denzel no papel de Sam em um filme sobre o mitológico príncipe soul.

8-Quentin Tarantino x Samuel Rosa (Skank)

Quando mais jovem – Quentin na fase “Pulp Fiction” e Samuel na de “Calango” – a dupla era, com se vê acima, todo um clássico dos separados no nascimento. Mais coroas, cada qual foi para um lado, Tarantino um malucão meio botocado, Rosa um playmobil roqueiro. Mesmo assim, o diretor continua tendo seu sósia famoso: o tenista suíço Roger Federer, como bem lembram os personagens de Selton Mello e Seu Jorge naquele curta-metragem.

7-Malcolm McDowell x Tatá Aeroplano (Cérebro Eletrônico)

Tatá passou anos fingindo que não ouvia quando o comparavam com Alex, o maníaco fã de Beethoven vivido por Malcolm em “Laranja Mecânica”. Dava apenas sua tímida risadinha. Até que se rendeu. Atualmente, repousa sobre a geladeira de seu apartamento em São Paulo a metade direita da montagem acima, que fez recentemente para a revista Serafina, pelas mãos do fotógrafo paulistano Klaus Mitteldorf, posando mais ou menos como Alex. E olha que sem barba ele parecia ainda mais.

6-Joaquin Phoenix x Billy Gibbons (ZZ Top)

Constrangendo o planeta com sua tentativa de virar rapper doidão, Joaquin Phoenix acabou descolando um documentário a seu respeito, dirigido pelo cunhado e colega Casey Affleck. De quebra, ficou a cara do mais inconfundível barbudo do rock.

5-Zooey Deschanel x Katy Perry

Zooey, a musinha do cinema indie (também convertida em musinha da música indie cantando na dupla She & Him) é tão a cara da popstar Katy que um dia dizer “X” juntas ao mesmo fotógrafo, como se vê no retrato acima - não é montagem -, foi inevitável.

4-Jim Jarmusch x Dado Villa-Lobos

Supla e David Lynch deveriam dar conselhos capilares ao guitarrista. Desta forma, uma vez de cabelos brancos e erguidos como o de um Mutum-de-Penacho do Cerrado, Dado ficaria praticamente idêntico ao cidadão que, pelo menos desde o fim de sua Legião Urbana, ostenta o título de mais cool dos cineastas independentes americanos.

3-James Franco x Jeff Buckley

Bonito, com potencial, sósia do finado Jeff Buckley (tão parecido que montagens comparativas como esta abundam na internet); só falta agora James Franco morrer cedo e em circunstâncias obscuras para roubar de Heath Ledger o status de ator mais postumamente superestimado dos últimos anos. Ah, e claro, ele está cotado para um longa sobre a vida de Buckley.

2-Will Ferrel x Chad Smith (Red Hot Chili Peppers)

A chacota em torno da “irmandade” dos dois pirulões é tão manjada que o baterista Chad andou usando a camiseta “I Am not Will Ferrel” em alguns shows, pedindo talvez que as pessoas parassem de o confundir com o humorista. Resta saber como Ferrel se sairia tentando segurar os grooves selvagens de Flea, ou qual a capacidade cômica de Smith num esquete televisivo.

1-Al Pacino x Leonard Cohen x Dustin Hoffman

And the winner is... ou melhor: and the winners are...

Se o ménage à trois pudesse não ser sexual, eu pagaria para ver esta combinação. Uma conjunção cósmica de caras que, não bastando possuir tanto talento e estilo, para completar um dia foram um o xerox do outro. Eu sou mais Pacino nos dias de Michael Corleone x Leonard Cohen em começo de carreira acima.

Mas entendo os que prefiram o mash-up abaixo, do Dustin Hoffman mais coroa x o Leonard Cohen estilizado da capa do disco “Recent Songs”, de 1979:

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